Le problème d’un artiste, une fois engagé, est ce sentiment désagréable que ses écrits sont à jamais biaisés… Si Carla Bruni avait fait un album parfait avec Quelqu’un m’a dit, faisant découvrir à la France entière -un million de disques vendus- sa voix joliment éraillée, puis par la suite, sans grand succès mais l’intention était louable, les merveilleux poèmes d’Emily Dickinson dans No promise, voilà Little french songs… Pour le buzz, le compte y est logiquement mais qu’en est-il en matière de musique? Première impression, Carla Bruni est à contre courant de notre époque où les périls guettent tant; avec Douce France en version italienne, on croirait rêver; voilà qui paraît quasiment obscène venant de cette riche héritière italienne qui fut dans le passé proche « aux côtés » des Français-enfin on est à même de le penser-en tant que première dame. « Quand tout va mal, try a little french song… » Plus facile quand on habite dans un hôtel particulier du 16 ème arrondissement… Et pourtant, passé ce qui semble une imposture entre l’autosatisfaction « Mon Raymond, il a tout bon ( qui au passage rime avec un autre mot que l’intéressé n’hésitait pas à employer) et  la critique mutine avec le Pingouin, « si tu recroises mon chemin, je t’apprendrai à me faire le baise-main »– Allô-quoi, on est en République!, on doit reconnaître que l’ensemble n’est pas déplaisant à écouter, avec des ritournelles qui dureront un printemps… C’est leur rôle , non?

AW

Little French songs de Carla Bruni chez Barclays

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Pas un bruit. Le générique fin d’Amour de Michael Haneke défile, la salle restant plongée dans le silence absolu. Pour continuer ce film qui a remporté la Palme d’Or cette année à Cannes, avec  Schubert et la voix sublime de Jean Louis Trintignant qui occupent tout l’espace, jusqu’à ce qu’il n’y ait plus un son, un mot. C’est fini. On savait de toutes les façons dès le début du film comment cela s’acheverait. Le bélier de la police contre la porte, le scotch le long des interstices pour éviter l’odeur; Le mari, l’époux, l’amoureux a choisi. Il rejoindra sa belle, cette femme qui peu à peu a plongé, jusqu’à devenir comme un petit enfant.

« Mal, mal ». La souffrance est là, permanente. Il va faire de son mieux, le veiller, la changer, la porter, lui lire le journal et puis quand il faudra, la délivrer. Le film est dur comme la réalité. Vous aurez mal en la regardant nue, offerte dans toute la cruauté de la vieillesse. C’est pourtant un film magnifique avec ses deux acteurs qui oublient de jouer, qui sont dans l’essentiel comme peu  y parviennent. Les voir évoluer dans cet appartement qui tel un personnage, plein de livres, de partitions-le réalisateur a reproduit celui de ses parents- voit renoncer peu à peu Emanuelle Riva-magnifique-à jouer sur ce piano puis inexorablement à quitter le lit. Isabelle Huppert, fidèle à Haneke, joue une fille improbable et lointaine, incapable de mesurer le drame qui se joue et la mort qui doucement va s’imposer. On l’aidera un peu voilà tout, comme on accueille une amie. Amour est un film qui bouleverse et montre dans la douleur ce qu’aimer veut dire.

LM

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Il y a toujours un soupçon qui plane au-dessus des albums d’inédits qui compilent les rebuts d’un artiste et les présentent comme des chefs-d’œuvre injustement oubliés… C’est pourquoi les promoteurs de ce Paradis Retrouvé ont choisi de laisser la parole à l’auteur, afin qu’il justifie lui-même l’intérêt de publier ces chansons, près de quarante ans après leur création. Christophe n’est pourtant pas un homme particulièrement loquace, sa voix se perd souvent au cours de son débit expéditif et laconique, mais dans la vidéo de présentation qui annonce la sortie de ce CD – on appelle cela un EPK et c’est la grande mode du marketing musical – il se prête au jeu du « track by track » pour expliquer le contexte dans lequel ces anciens morceaux ont vu le jour. Conçu en forme d’hommage à Francis Dreyfus, fondateur des Disques Motors dont Christophe fut le premier représentant, ce Paradis Retrouvé rassemble treize titres enregistrés durant la décennie 1972-1982, période d’intense créativité pour le chanteur des Mots Bleus, et fait écho à l’album culte de 1973, Les Paradis Perdus. Décédé en 2010, le producteur/découvreur de talents n’aura pas vu la sortie de ce disque qu’il avait réclamé à son historique protégé et c’est suite à cette disparition que celui-ci a finalement accepté de ressortir de ses archives ces vieilles bandes d’enregistrement qui attendaient patiemment qu’on leur prête une oreille curieuse. On peut se réjouir de cette décision car le résultat est séduisant et d’une surprenante modernité, qui ne dénote pas avec l’ensemble de l’œuvre du Beau Bizarre.

 « Ça démarre toujours comme ça : un son de synthé, une boîte à rythme, un gimmick… »

 Ce disque a été pensé autour de trois pôles : dans un premier temps, c’est évident, il est comme de nombreux autres recueils d’inédits que produisent les artistes en fin de carrière et en panne d’inspiration – même si ce n’est pas le cas en l’occurrence – un objet commercial à destination des fans, puis c’est l’occasion d’entendre la dimension expérimentale du travail en studio de celui qui criait Aline pour qu’elle revienne ; enfin, il est présenté comme un « témoignage sonore des années 70 et 80 ». Sur ces trois points, Paradis Retrouvé étonne par sa cohérence et sa réussite. D’abord, parce que certaines chansons sont d’une efficacité mélodique digne des plus grands tubes du chanteur. On en vient à se demander ce qui avait pu conduire Christophe à écarter de son répertoire des titres comme Night Welcome ou Take it tant leurs refrains font mouche et hantent les esprits comme toute bonne pop music en a le devoir ! D’autre part, la dimension expérimentale, présente dans le choix de certaines instrumentations, dans les petits « parasites » sonores qui apparaissent parfois au début et à la fin des chansons et aussi dans quelques choix esthétiques – comme sur L’italiano où le musicien s’amuse à imiter, jusqu’à la parodie, le chant emphatique des crooners italiens – montre l’immense créativité d’un artiste majeur et marginal. Enfin, en ce qui concerne le côté « témoignage » de cette compilation, il passe quasiment inaperçu au sein du revival qui anime actuellement de nombreuses productions musicales, où les synthétiseurs vintage que testaient Christophe à l’époque sont devenus les stars des scènes alternatives. C’est au final un disque qui ne trahit pas l’œuvre du chanteur aux lunettes teintées de mauve, mais au contraire l’enrichit, l’éclaire d’un nouveau jour, sans nostalgie ni complaisance. D’ailleurs, la sortie de Paradis Retrouvé accompagne une réédition de sa discographie chez Motors, l’occasion de juger les choix d’une production qui décide de la couleur de la bande-son d’une époque en mettant de côté des œuvres qui feront peut-être celle du futur.

Par Romain Breton

Paradis Retrouvé, par Christophe, sortie le 11 mars 2013, chez Motors/BMG.

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Camille redouble est reparti bredouille des César. De quoi fâcher à vie la réalisatrice, Noemie Lvovsky, avec le chiffre 13-le nombre de nominations que le film avait décroché en janvier. Si le film n’est pas un chef-d’oeuvre, voilà pourtant un joli conte moderne que la réalisatrice de Petites ou Les sentiments a imaginé en se mettant elle-même en scène dans ce personnage d’une quarantenaire portée sur la boisson. Son couple est à la dérive et après une soirée bien alcoolisée avec ses amies d’enfance, la voilà qui se réveille dans sa chambre d’adolescente. Back to the future version française donc , mais sans aucun effets spéciaux, juste la nostalgie de retrouver ces années 80 où l’on avait une liberté que les jeunes avec les smartphones nous envieraient s’il savaient… Les amourettes, la vie au collège vue à travers des yeux d’adulte, le scénario fonctionne bien jouant sur l’humour des situations mais et c’est là où le film prend toute son ampleur, sur l’émotion de Camille face à ses parents aujourd’hui disparus. Joués par Yolande Moreau et Michel Willermoz, c’est un pur bonheur qui vous tirera des larmes que de voir cette femme qui se retrouve capable de pouvoir dire ce que l’on n’arrive généralement pas à exprimer avant la mort de ceux qu’on aime. Revenir en arrière et savoir quoi en faire, avec ses parents et son mari, ce que l’on peut changer ou pas, voilà un joli film qui a su toucher le public, lequel ne s’y est pas trompé au contraire des votants des César…

LM

LM

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On connaissait la folk originale de Herman Dune pour ses airs accrocheurs, ses refrains faciles chantés à deux voix, souvent mixtes, ses paroles futiles et sa voix singulière, mais moins pour sa virtuosité « guitaristique ». En lui proposant de composer la musique de son nouveau film, Edouard Deluc a permis au songwriter barbu, David-Ivar Herman Dune de révéler l’étendue de sa dextérité lorsqu’il s’agit de gratter les six cordes de son instrument. Ainsi, Mariage à Mendoza, en plus d’être la bande-son parfaite pour un road-movie à travers le désert argentin, est une belle démonstration de guitare classique, comme rarement les artistes pop, pourtant adeptes de la chose, en produisent. Le titre Canon for Brother est un exemple de classicisme bluffant, qui donne l’impression d’entendre un vieux morceau latin d’Antonio de Torres, le « père » du jeu de guitare moderne.

Une histoire de famille

Le choix du duo franco-suédois pour créer la musique de cette comédie est judicieux à maints égards. D’une part parce que le film raconte le périple de deux frères, dont l’un vient d’être quitté par sa femme et l’autre est victime de troubles psychiques, qui se rendent au mariage de leur cousin, interprété par Benjamin Biolay. Or justement, Herman Dune, à l’origine, c’est aussi une histoire de fratrie, qui s’est peu à peu désagrégée au cours de leur prolifique carrière. D’autre part, leur musique, à la fois joyeuse et nostalgique, illustre parfaitement l’ambiguïté émotionnelle des rapports entre les deux frères. C’est aussi une musique qui invite au voyage. La basse rebondissante du thème principal de cette bande originale évoque l’americana de Johnny Cash et les grandes plaines sableuses des westerns spaghetti. Il y a justement dans le son, une texture, un grain qui rappelle les années 60-70, un grain qui rappelle aussi celui qui habite l’esprit des personnages du film… Enfin, avec Don’t Lie To Me, on se croirait en présence d’une nouvelle chanson des Beatles ! La ressemblance est impressionnante et leur rend un hommage discret et subtile. Voilà un album qui réchauffe et donne envie de porter un toast au temps qui passe, en attendant le retour de l’été…

Par Romain Breton

Mariage à Mendoza (B.O.), par Herman Dune, Strange Moosic Records, 13, 99 €

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Depuis désormais des décennies, Arvo Pärt exploite sans relâche une certaine mystique aux vagues relents new age – de qualité supérieure reconnaissons-le. Cela présente l’avantage d’être mélodique et facile d’accès-les chorégraphes adorent, à rebours d’un certain intellectualisme hérité de la musique sérielle – que le compositeur estonien a pratiqué en ses jeunes années. Rien que le titre de l’album, Adam’s Lament– Les lamentations d’Adam, donne le ton. On est bien à mille lieux de la célébration de la création divine telle qu’on l’entend chez Bach par exemple jusque dans les moments de profond recueillement, et de manière générale dans toute la tradition dite classique. Dans ce dernier album, Pärt semble confondre intériorité et fascination dépressive avec des cordes traitées comme une épaisse masse sonore implorante qui peut sembler digne des plus médiocres bandes son de mélos… Il faut attendre les deux dernières pièces, Estonian Lullaby et Christmas Lullaby, pour rencontrer une lueur d’espoir à l’issue de ce primitivisme tonal entre œuvre musicale et produit culturel, non dépourvu malgré tout d’une certaine séduction. Admirons au moins le sérieux avec lequel cela est défendu par les interprètes, placés sous la direction de Tönu Kaljuste, et le soin de l’éditeur ECM – la perfection comme consolation sans doute…

GC
Arvo Pärt, Adam’s Lament, ECM

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Ils arrivent! Sur grand écran et dans vos Ipod, lecteurs CD et autres, voilà Les Misérables, les Mis (prononcez Miz) pour les connaisseurs. Au livret, monsieur Victor Hugo, à la partition, le duo génial et français, Alain Boublil et Claude-Michel Shönberg qui a créé cette comédie musicale en 1980 dans une mise en scène de Robert Hossein. Mais c’est en anglais -la version française n’existe pas au cinéma, que la pièce battra tous les records de Londres à New York, avec le plus grand nombre de spectateurs pour une comédie musicale…Voilà qui vous permettra avec cette bande originale d’une heure de voir où vous en êtes, les paroles étant très distinctes et surtout de retrouver toute l’émotion du film. Les respirations de Valjean forçat, les pleurs de Fantine sombrant dans la prostitution et la pauvreté dans I dreamed a dream -à vous tirer des larmes, tout le travail admirable des acteurs-chanteurs est là,  tout ayant été enregistré en direct avec les vraies voix des acteurs. Autant dire qu’Anne Hattaway aurait pu gagner un Grammy Awards avec le talent de chanteuse qu’elle démontre ici-Amanda Seyfreid se débrouillant très bien aussi. Les mélodies s’enchaînent ici comme des perles- Castle in the Cloud pour la voix frêle de Cosette, A heart full of love, At the end of day, Drink with me, vous risquez de chantonner à l’envi longtemps ces airs qui dans le genre galvanisant ou tire-larmes sont un must. Russell Crow avec sa voix puissante de basse et Hugh Jackman, avec des couleurs vocales dignes d’un professionnel sont également une vraie découverte tandis que l’irrésistible Eddie Redmayne- découvert dans Marilyn et moi offre une fragilité dans sa voix dans Empty chairs qui complète un casting décidément époustouflant.  Un regret toutefois, l’air de Gavroche, » je suis tombé par terre c’est la faute à Voltaire » qui n’est pas dans le disque, version anglaise avec l’accent hockney.

Tout cela dit, il faut impérativement voir le film pour apprécier…

LM

Les Misérables chez Universal Music

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Patrick Bruel n’était pas vendredi soir aux Victoires de la Musique. Son dernier album après six ans d’absence, Lequel de nous,  désormais triple disque de platine, est sorti trop tard pour faire partie de la sélection. Sans doute a-t’il fait exprès afin de ne pas avoir à repartir bredouille de cette cérémonie où ses pairs ne l’ont pas récompensé depuis 1992, soit plus de vingt-ans, malgré six albums sortis et ce public qui le suit sans défaut depuis Alors Regarde.

Alors comment est-il cet album enregistré en partie aux mythiques studios londoniens AIR qui arrive enfin, après une longue infidélité à la musique comme acteur sur grand écran ou au théâtre? A la première chanson, on est inquiet: Place des grands hommes revient en mémoire avec son décompte 4,3,2,1, zéro, les prénoms lancés joyeusement. On retrouve aussi les envolées lyriques-trop?- dans la seconde chanson, Où es-tu? sur une grand reporter femme qui pourrait être Martine Laroche-Joubert. L’actualité encore avec Les larmes de leurs pères sur les révolutions arabes,« bats-toi pour être toi, je me suis battu pour cela » avec un passage en arabe à l’émotion certaine.  Dans les Cigales s’en foutent– la mélodie séduit, la voix chaude s’impose et la nostalgie « le passé danserait nonchalamment » que le chanteur cultive depuis si longtemps devient charmeuse, entêtante et irrésistible. « Du temps des cerises où tu n’aimais que moi et qui s’enfuit déjà », voilà sans doute un bel hommage à la mère de ses enfants, les souvenirs de Provence et ce qui reste après que l’on s’est aimés, « tu pourras dire tout ce que tu veux sur ce qui nous éloigne, tu sais très bien qu’à ce jeu là personne jamais ne gagne » dans la chanson Lequel de nous. Du rythme de She’s gone à la quasi berceuse, le début de Tout change si vite, ou Je serai là pour la suite, en passant par la mélodie de Rome, le thème du temps qui passe et des amours perdues colore tout cet album très autobiographique mais, et c’est là le talent de Bruel, qui touche pleinement chacun qui l’écoute, comme avec ce très bel hommage dans A mon ami Alfred T, « pendant que mon coeur bat, t’en donner la moitié ». Voilà qui est le propre des artistes qui réussissent, ce qui ne manque jamais de faire des jaloux.

AW

Dates concerts sur site de Patrick Bruel avec la première date le 16 mai à Evry et du 29 au 31 mai au Zenith de Paris

ps: Mention spéciale à Diane Sagnier qui en signe les très belles photos

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C’est LA révélation jazz de ces dernières années. Ses albums s’arrachent chez les disquaires – le rayon de chez Gibert Joseph s’est ainsi vidé de ses disques en l’espace d’une heure sous les yeux médusés d’un vendeur… Que le jazz puisse (re)devenir une musique que chacun soit capable d’apprécier et de s’approprier est un des grands mérites de ce trompettiste franco-libanais. Avec Wind, Ibrahim Maalouf prolonge le succès qui avait accompagné sa « trilogie » dont le dernier élément, Diagnostic (2011), avait déjà fait de son auteur, « l’instrumentiste français (toutes catégories confondues) le mieux vendu en France ces deux dernières années ». Ce dernier opus, paru à l’automne 2012, alterne entre un « cool jazz » assez traditionnel, mais d’une classe feutrée irrésistible et un blues désarticulé et arabisant – le morceau Questions & Ansers en est la plus belle illustration et peut-être le meilleur titre de l’album.

La sonorité orientale avec laquelle il s’est forgé son identité, Ibrahim Maalouf la doit en partie à son père, Nassim Maalouf, qui, dans les années 60, a trafiqué son instrument afin qu’il puisse produire les intervalles de notes typiques de la musique arabe. Actuellement, Ibrahim Maalouf est ainsi le seul musicien au monde à pratiquer ce qu’on appelle la « trompette à quarts de tons » grâce à laquelle il a rendu son œuvre, elle-même, unique.

Une constellation d’étoiles pour origine

Chez les Maalouf, on est trompettiste de père en fils et, si on ne manie pas le piston, on pianote, comme sa mère, Nada Maalouf, ou bien alors on écrit, comme son grand-père Rushdi Maalouf, journaliste, poète et musicologue ou encore, son oncle célèbre, Amin Maalouf, élu à l’Académie Française en 2011. Bref, le jeune Ibrahim est né dans une famille d’intellectuels et d’artistes qui a forcément joué un grand rôle dans son orientation professionnelle. Celle-ci s’est ensuite révélée grâce à une pléiade de collaborations dans le milieu de la pop et de la chanson, qui lui ont permis de diversifier son jeu et ses références. On compte parmi ses nombreux amis de la scène musicale, Amadou et Mariam, Matthieu Chédid, Arthur H, Vincent Delerm, Sting, Juliette Gréco et bien d’autres… On aime ce musicien pour la diversité qu’à lui seul il incarne, la diversité à l’égard des traditions, entre Orient et Occident, mais aussi à l’égard de la musique. En effet, Ibrahim Maalouf ne se contente pas de faire du jazz oriental; ce serait mal le connaître que de réduire son art à cette étiquette, et passer à côté de son esprit rock, de ses rythmiques funk et de l’influence qu’à eue sur lui l’enseignement classique qu’il a reçu au conservatoire. Issues, autre morceau de bravoure à travers lequel Maalouf étend encore le domaine de sa créativité, offre ainsi un jazz progressif contemplatif, sorte de  pendant musical de la peinture abstraite qui orne la pochette du disque. Enfin, Ibrahim Maalouf est aussi un producteur qui a fondé son propre label, pour éditer ses disques évidemment, mais pour promouvoir aussi d’autres artistes. Ce printemps verra paraître notamment la folk jazzy d’Isabel Sörling sur un album où Maalouf jouera du piano. A suivre donc…

Par Romain Breton

Wind de Ibrahim Maalouf, Mi’ster Productions, 17, 50 €. En concert le 27 Avril à la Salle Pleyel.

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Baden Baden est une ville thermale du sud de l’Allemagne. C’est aussi un trio parisien dont le nom  inonde tranquillement les pages musicales des magazines bien informés. Ce nom, ils l’ont choisi pour son caractère onirique, pour ses sonorités redondantes comme dans un mot-valise. Un nom qui colle assez bien à l’atmosphère feutré et mélancolique que l’on peut entendre sur leur premier album, Coline. Musicalement, Baden Baden propose des chansons parfaitement ficelées, accrocheuses, efficaces, dans un environnement sonore folk/pop contemplatif assez original – quoique très référencé… La qualité de cet album réside surtout dans sa cohérence, en dépit de l’alternance du français et de l’anglais. Le bilinguisme est une posture plutôt courageuse et assez rare pour qu’on la remarque de la part d’un groupe français et d’autant plus, quand cela produit quelque chose d’intéressant, comme ici. La production, soignée et artisanale est également remarquable. Enfin, l’esthétique sépia vintage de la pochette continue de nourrir avec grâce l’univers poétique et nostalgique de ce nouveau groupe français.

Un groupe sous influence

Impossible de ne pas penser au groupe Arcade Fire lorsqu’on entend des titres tels que  Glory Lies ou City Walls, avec ces courtes boucles rythmiques que les guitares suivent et dont la suite d’accords-simple mais évident- fait l’effet d’un rouleau compresseur de délicatesse. La référence pourrait être difficile à porter, d’autant que la formation canadienne est devenue le modèle incontournable dans le milieu de la pop alternative et que beaucoup copient sans jamais l’égaler, mais Baden Baden assume pleinement ses influences et a su forger avec elles sa propre identité. Toutefois, il en est une qu’on peut leur attribuer immédiatement et avec laquelle ils entretiennent une relation… sans doute trop fusionnelle, c’est avec le groupe québecois Karkwa. Peu connus dans nos contrées, ils se sont forgés une belle réputation outre Atlantique, notamment pour leur manière d’alterner le français et l’anglais et le traitement similaire des voix :  les effets de réverbération, les mélodies, les chœurs et mêmes les textes un peu trop comparables. Alors, pour le deuxième album, s’affronchiront-ils?

Par Romain Breton

Coline par Baden Baden, chez Naïve, 15 €, en concert le 26 février au Café de la Danse.

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Si vous l’avez raté en janvier, rattrapez-vous en achetant ce formidable documentaire sur l’état du journalisme aujourd’hui. Première image, en noir et blanc. Nous sommes le 20 avril 1963 aux alentours de 20 heures. Alain Peyrefitte, ministre de l’information, donne le coup d’envoi de la nouvelle formule du JT de la première chaîne, mise au point par… lui-même. Face à lui, le présentateur Léon Zitrone dans le rôle du figurant, écoute son ministre lui dicter la nouvelle orientation que prendra son journal. Cinquante ans après, où en est le journalisme français ? Il est complètement indépendant du pouvoir bien sûr, s’amusent dans  Les Nouveaux Chiens de Garde, Gilles Balbastre et Yannick Kergoat.

Allégeance parfaite

Adapté du livre de Serge Halimi du même nom publié en 1997 et complété en 2005, lui-même inspiré de l’œuvre de Paul Nizan datant de 1932, Les Chiens de garde, le film examine le système médiatique français et prouve avec humour et sarcasme, que le journalisme français est loin de reposer sur les trois fameux piliers : indépendance, objectivité et pluralisme.

Certes le ministre de l’information a disparu et le nombre de chaînes de télévision s’est multiplié, mais l’influence exercée sur les journalistes est toujours là. Elle a simplement pris une autre forme : moins visible, moins connue et bien trop minimisée explique le film. En épluchant les parcours des Claire Chazal, Laurent Joffrin et autres « journalistes vedettes », l’équipe du film se demande comment ceux qui décryptent et relaient l’information peuvent se prétendre objectifs et indépendants, alors qu’ils ont grandi dans les mêmes quartiers que les élites politiques et économiques, qu’ils ont été éduqués dans les même grandes écoles, qu’ils fréquentent les mêmes soirées et sont parfois amis ? Réponse : ils sont une seule et même famille, un peu comme si le grand frère avait choisi de faire politique, la deuxième économie et le troisième du  journalisme…

Des ménages aux conférences

L’un après l’autre les cas de Christine Ockrent, Laurent Joffrin, Claire Chazal, Nicolas Demorand, Michel Field sont passés au crible. Pas d’approximation, pas de paroles non fondées, les principaux concernés, désignés coupables de conflits d’intérêts, sont clairement identifiés. Le cas Isabelle Giordano est particulièrement marquant. On apprend que la journaliste fait  « des ménages » pour de grandes entreprises, c’est-à-dire qu’elle est rémunérée par de grands groupes pour animer des conférences, invitant ensuite sur son plateau celui qui comme la Sofinco, vient de la rémunérer tandis que l’on entend en fond sonore, un des slogan de France Inter de la rentrée 2008 passer en boucle : « la différence c’est l’indépendance ».

Les « experts » invités à débattre de l’actualité sur les plateaux de télévision ne sont pas épargnés. Là encore, ils sont nommés : Jacques Attali, Alain Minc, Michel Godet, Elie Cohen, une petite poignée « d’intellectuels » qui sont non seulement chercheurs, mais aussi administrateurs pour de grandes entreprises françaises. Le documentaire se demande, avec pertinence, s’il ne serait pas nécessaire d’informer les téléspectateurs ou lecteurs de cette autre casquette, clairement susceptible d’influencer leur analyse. Puisque l’objectivité n’existe pas, il faut s’efforcer d’être transparent.

Droit de censure

Sur la forme, le film est efficace, drôle et dynamique; le montage, les nombreuses animations et les bruitages de cartoons donnent de la légèreté aux situations parfois aberrantes, comme la « journée sans le groupe Lagardère », une séquence rigolote qui dénonce l’omniprésence des grands groupes dans le secteur de la presse. On rit jaune. Ou ce passage qui tourne en ridicule Jacques Julliard et Luc Ferry sur LCI, deux experts censés être opposés sur l’échiquier politique s’excusant d’être d’accord sur un grand nombre de sujets. Et comme l’on donne la parole toujours aux mêmes c’est-à-dire aux plus indulgents…capables comme Alain Minc de prétendre que la crise de 2008 a montré la formidable élasticité du système bancaire!

Autre pépite, Franz-Olivier Giesbert qui dit être d’accord que son patron puisse le censurer vu que c’est lui le propriétaire: « le capital a le pouvoir, il est normal qu’il l’exerce. » Nous voilà donc bien défendus par ces chiens de garde qui à l’image de ceux de Nizan ne sont même plus conscients de leur allégeance à leur actionnaire comme lorsque sur les défauts de construction à la centrale nucléaire de Flamanville, le groupe Bouygues, responsable, n’aura pas un seul reportage en faisant état dans ses journaux sur TF1-une télé de maçon, une télé de m…comme disait l’autre…

AW

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Décidément, c’est une manie ! On a dû se passer le mot dans les rangs de la chanson française : « à la rentrée, on sort tous un album de reprises ! » ce qui se matérialise en des albums « hommage » plus ou moins convaincants – en témoignent nos articles sur les nouveaux Patricia Kaas et Daphnée, respectivement consacrés à Piaf et à Barbara. Dans cette lignée, Francis Cabrel sait marquer sa différence. Choisissant de rendre hommage à une icône d’outre-atlantique, il revient sur le devant de la scène, quatre ans après son dernier album  Des roses et des orties, en prenant le risque de s’approprier, en français, un monument de la chanson internationale : l’œuvre de l’infatigable Robert Zimmerman, ou si vous préférez, Bob Dylan. Cela s’appelle Vise le ciel »,  album déjà certifié disque de platine et l’on peut estimer que les achats de cette fin d’année vont considérablement confirmer ce succès. C’est le single Comme une femme – Just Like a Woman– qui  est sorti en premier, puis Je te veux – I Want You, deux des chansons ici les plus connues, sur les ondes hexagonales.

 Shakespeare et Molière : des langues qui s’opposent

 Une longue histoire relie la carrière du chanteur de Petite Marie  à celui de  Like a Rolling Stone car, c’est en entendant cette dernière chanson à l’âge de treize ans que Cabrel se découvre une passion pour la musique et se fera offrir une guitare afin d’imiter son idole dans un premier temps, puis pour composer ses propres chansons, forcément influencées par la folk dylanesque. C’est pourquoi le surréalisme, les thèmes et les associations d’idées typiques du poète américain ne détonnent pas avec la « voix du sud » du chanteur français. On retrouve son goût pour les tournures alambiquées, les évocations, les idées abstraites qui font l’originalité des succès comme Encore et encore ou Sarbacane. Mais ici, la traduction, tournée en faveur de la sonorité des mots choisis, rend parfois creuse la prose de Dylan. Si dans les versions originales, la voix nasillarde de celui-ci savait faire sonner les syllabes ouvertes de la langue de Shakespeare, ici, Cabrel peine a rendre la même efficacité sonore dans la langue de Molière. Par exemple, sur le titre  On ne va nulle part, adaptation du célèbre You Ain’t Going Nowhere , le « Oh oui… » du refrain chanté en chœur ne parvient pas à reproduire l’aspect gospel du « Oh Yeah… » original… Ainsi, l’adaptation est dans l’ensemble un peu plate et mollassonne. Mais cela ne gâche pas pour autant notre plaisir de réentendre l’accent du sud-ouest et la sympathique voix de l’homme d’Astaffort. Cela ne déplaira pas non plus aux amateurs de Dylan non anglophones, pour qui le sens des chansons demeurait inaccessible. Enfin, c’est une agréable façon pour Cabrel de faire patienter son public avant la sortie de ses nouvelles créations, prévue pour octobre 2013.

Par Romain Breton

Francis Cabrel, Vise le ciel ou Bob Dylan revisité, chez Sony Music, 14,99 euros.

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Loin des effets spéciaux des Cinq légendes et autres dessins animés japonais, Ernest et Celestine c’est le pari osé de replonger dans l’univers de Beatrix Potter et ses illustrateurs dont le trait se suffisait à lui même. Pari plus que risqué avec des enfants qui sont habitués à des images qui bougent sans arrêt, 3D et trouvailles visuelles en tous genres mais qui pourrait bien créer la surprise tant le scénario est intelligent-pas étonnant venant de Daniel Pennac et les dessins de Gabrielle Vincent enchanteurs. Née en 1929, celle-ci a signé une vingtaine de livres et ne souhaitait pas particulièrement voir son personnage d’ours et de petite souris mis en images animées. C’était sans compter sur Didier Brunner le producteur qui lisait ces histoires à sa fille lorsqu’elle était petite et réussit à en acquérir les droits. A l’arrivée, Lambert Wilson prête sa voix à ce gros ours qui recueille cette petite souris venue du monde souterrain et ne souhaite pas y rester. « Deux marginaux » qui devront combattre les idées reçues et convaincre leurs univers d’origine afin de pouvoir rester ensemble. Jamais mièvre, c’est de la poésie à l’état pur que vous offrira ce conte qui n’a rien de Noël mais a permis à un jeune réalisateur de 28 ans, Benjamin Renner de montrer toute l’étendue de son talent.

LM

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Si l’on en croit le nombre d’articles publiés, c’était sans doute un des albums les plus attendus de cette année. Il faut dire qu’avec La Superbe, Benjamin Biolay est devenu l’un des chanteurs les plus « bankables » de la variété française. Et ce statut n’est pas immérité tant il est vrai que ce double-album sorti il y a trois ans manifestait le talent d’une œuvre au long court, qui fut pendant longtemps bannie des grandes ondes, à cause de sa noirceur peut-être,  ou de son désenchantement. La Superbe s’était fait remarqué par la liberté qu’avait prise son auteur pour le sortir en-dehors des cases conventionnelles de l’échiquier commercial. On ne peut pas apprécier la même audace pour ce nouvel opus, dont la pochette déjà très pop annonce l’aspect «mainstream », voire kitsch de l’ensemble. Et en effet, certains beats et certains synthés (Marlène Déconne, L’insigne honneur) rappellent les grandes heures du post-punk et de la cold-wave des années 80. Mais ce rappel produit quelque chose de plus régressif que seulement nostalgique (les claps sur L’insigne honneur sont particulièrement catastrophiques) et ne met pas en valeur les qualités d’arrangeur et de mélodiste de Biolay. L’ensemble est correct mais sans plus… et manque par là quelque peu d’intérêt.

Des invités de prestige

Une multitude de collaborateurs célèbres ont été engagés pour l’occasion : la frêle voix de Vanessa Paradis sur Profite, le « spoken word » de Carl Barât (l’autre grande figure, avec Pete Doherty, des Libertines) sur le morceau éponyme de l’album – sans doute l’un des meilleurs – comme la très jolie mélodie avec  Julia Stone (du duo Angus & Julia Stone) en VF sur Confettis -un échange de bons procédés car Biolay chante en anglais sur son dernier single. La grande nouveauté de cet album réside dans les deux invités d’une autre scène musicale que l’on peut entendre respectivement sur Ne regrette rien  et Belle époque (Night shop #2) . La Vengeance que porte comme titre ce nouvel album est peut-être celle des tendances hip-hop de Biolay qui semblent s’être libérées lors de la création de ses nouveaux morceaux, et les présences d’Orelsan et d’Oxmo Puccino sont les conséquences concrètes de cette libération. Les sons de Belle époque sur lequel se pose ce dernier, sont typiques d’un certain rap des années 90, avec cette ambiance jazzy et sa phrase de saxophone sur le refrain. Mais la prestation de l’invité écrase celle de la vedette, Puccino ayant derrière lui une longue expérience dans le domaine du verbe rappé. Ce qui fait qu’on regrette presque ce choix que l’on sait personnel (et peut-être aussi un peu intéressé, ces deux rappeurs s’étant déjà tous deux fait reconnaître, par le public et la critique,  comme des « valeurs actuelles »), préférant qu’il eu fait preuve davantage de courage et d’inventivité.

Par Romain Breton

La Vengeance de Benjamin Biolay chez Naïve 15,99 euros

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Les anniversaires se suivent et ne se ressemblent pas. Si Patricia Kaas ne convainc pas totalement en Piaf, cinquante ans après sa mort, il en est autrement pour Daphné qui signe chez Naïve un fort joli album de reprise pour le 15 ème anniversaire de la mort de la longue dame brune. Une petite cantate ouvre le bal avec cette chanson, dédiée à sa pianiste « qui ne courait pas si maladroite quand c’était toi » et qui s’est tuée en voiture « partie fragile vers l’au-delà »; légéreté et émotion qui prennent toutes les couleurs qu’il faut dans le timbre de Daphné. D’emblée, on est saisi par la fragilité- la fêlure en moins sans doute- qui transparaît. Parce que je t’aime poursuit l’hommage avec grâce « pour que notre amour ne soit jamais emporté par le temps, je l’emporte moi-même, il restera vivant », la voix se fait plus traînante, « pleine »; elle ne copie pas, elle redonne vie ou réinvente comme dans ces très beaux duos avec Benjamin Biolay- décidément il y est très doué-sur Dis quand reviendras-tu-« au printemps tu verras je serai de retour, le printemps, c’est joli pour se parler d’amour », une chanson que Barbara écrivit en 1961, alors amoureuse d’un amant lointain sans oser dire qu’elle en était l’auteur. Jean-Louis Aubert  l’accompagne également sur Göttingen, merveilleux hymne à la réconciliation franco-allemande que cette petite fille juive composa en 1964 alors qu’elle avait au départ refuser d’y aller chanter. « Faites que jamais revienne le temps du sang et de la haine, car il y a des gens que j’aime à Göttingen, Göttingen ». Dominique A remplace Moustaki sur la longue dame brune « habillée d’un voile de brume et de rosée ». L’album reprend aussi Ma plus belle histoire d’amour c’est vous, dédié à ce public qui l’aima tant, l’Aigle noir et la magnifique chanson La solitude, un simple morceau de piano, « la renifleuse des amours mortes » qui nous « fait le coeur à la traîne » et « l’hiver au plein coeur de l’été ». Car Barbara voulait « avant que sonne l’heure blême et jusqu’à son souffle dernier,(..) pouvoir dire encore  je t’aime et vouloir mourir d’aimer ». Voilà par l’intermédiaire de la voix de  Daphné qui semble réussi tout en grâce…

LM

Treize chansons de Barbara par Daphné chez Naive-14,99 euros

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