Loin de la pathétique exposition Match au Musée du Luxembourg-lire article, le Musée Marmottan et le Palais Galliera rendent hommage aux sports, JO de Paris obligent, avec deux expositions, En jeu! et La mode en mouvement. Concentrée sur les artistes de la fin du 19ème et début du XXème siécle, En jeu! permet de découvrir des toiles méconnues comme celles montrant de l’aviron sur la Seine ou des départs de course hippique; football, tennis, lutte, ski, autant de sources d’inspiration pour des artistes plus ou moins connus comme Toulouse Lautrec pour les chevaux et jockey, Marcello Cahn pour des raquettes de tennis peintes en 1926.Beauté des paysages ou des portraits comme ces deux enfants lutteurs et illustration de l’expression « Un esprit sain dans un corps sain », l’exposition tient toutes ses promesses dans cet ancien hôtel particulier qui abrite également une exposition permanente avec des meubles de l’empire, une collection d’épées d’académiciens mais, également des toiles de Monet comme ses célèbres nymphéas; les touristes en auront pour leur temps et leur argent.

Sports d’élite

Non loin de là, un palais dédié à la mode, le Palais Galliera invite à se replonger dans les tenues de baignade de la Belle époque, ou des amazones à moins de préférer les chevaux mécaniques, casque en cuir et pelisses incontournables pour les premières sans toit. Réservés à l’élite, ces sports bénéficiaient d’un total look pour descendre les pentes enneigées ou voguer sur les vagues. Depuis, le sport s’est démocratisé comme chacun sait, avec plus ou moins de bonheur à l’image de ces selles en carbone, ultra lègéres mais sans l’odeur du cuir graissé. Les huiles sur toile ont également laissé place aux photographies. On appelle ça le progrès!

AW
En jeu! Musée Marmottan jusqu’au 1er septembres 2024
La mode en mouvement, Palais Galliera, jusqu’au 5 janvier 2025

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On hésite à mettre dans la rubrique Cimaises l’exposition actuelle MATCH, design et sport que l’on peut découvrir-ou pas- au Musée du Luxembourg. car passer de Gertrude Stein à décathlon, voilà un grand écrat que la RMN (Réunion des Musées nationaux) n’a pas hésité à faire, JO obligent. Pas sûr que le visiteur habituel s’emerveille devant un mur en agglo avec des QR codes ou une collection de balles de ping pong au volley, en passant par une selle Hermès ou une paire de Nike! Et ce n’est pas le robot humanoïde Atlas capable de faire un tour sur lui-même ou les photos terribles de femmes en hijab tentant de s’adonner au sport qui sauveront du côté cheap, cet étalage traduit systématiquement en anglais qui inspire le vide, à l’image des salles pour la première fois décloisonnées. Le roi est nu, le Musée du Luxembourg aussi, gageons que cela plaira aux étrangers.

AW

MATCH, Design et sport, Musée du Luxembourg jusqu’au 11 Août 2024

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Autant la Fondation Louis Vuitton est excentrée et désarmante à visiter- trop de monde et de salles dispersées- autant celle de François Pinault, dans l’ex Bourse du commerce rue du Louvre répond à un plan fluide et inspiré grâce au talent bien japonais de son architecte, Tadao Ando. là où l’américain Frank Gehry a imaginé des arcs se superposant, le japonais a eu l’obligation de suivre le rond préexistant; il l’a magnifié, en offrant des perspectives à couper le souffle au fur et à mesure que l’on s’élève dans les étages. C’est cet écrin qui accueille l’exposition Avant l’orage, une réflexion sur fond de dérèglement climatique, à l’urgence du présent, avant qu’à nouveau, l’orage n’éclate dans des écosystèmes devenus de plus en plus fragilisés et instables. L’artiste Danh Vo ancre dans la rotonde une installation de troncs de bois comme foudroyés qui, soutenus par des béquilles semblent commencer une nouvelle vie, en les associant à des sculptures de l’art roman ou une hache datant de l’âge du bronze.  S’inspirant du peintre William Turner, Frank Bowling revisite l’effet brouillard et incandescent avec des aplats colorés et diffus dans le sas d’entrée; au premier étage,  une salle est consacrée à Cy Twombly, artiste reconnu comme en témoigne la commande d’un plafond par le Musée du Louvre, avec une série de toiles associées à des délicates sculptures en brindilles de bois et le son d’une flûte, incarnant la fragilité. Plus loin, un paysage mutant entre légèreté de grandes lampes figurant des cocons d’Anicka Yi et un diorama de Hicham Berrada épousant les courbes du bâtiment, pour donner vie à un aquarium rectiligne plongé dans le noir, une magnifique invitation à la méditation. On sort ainsi de cette exposition, apaisé par les formes et les sons, en ayant réussi grâce à l’art à oublier les humains qui nous entourent.

LM

Dans les vitrines du Passage, les oeuvres de Edith Dekyndt, avec le reflet inattendu de la rampe lumineuse de Tadao Ando menant au premier étage

The Coronation of of Seostris, série de toiles de Cy Twombly, sculpture en brindilles de Daniel Steegman

Les cocons de l’américaine Anicka Yi et le fascinant aquarium de Hicham Berrada

Au milieu du veston- de l’homme?- coule une vraie fontaine, installation de Robert Gober

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On retient d’elle ce portrait tout en couleur, icônisé sur des milliers de produits dérivés. Il s’agit en fait d’une photo prise d’elle par le photographe Nickolas Muray en 1939 à New York. Cette même année, Frida Kahlo échappe à la mort à la suite d’une fausse couche hémorragique. Celle qui a contracté la polio à l’âge de 6 ans dans son village natal du Mexique, est depuis paralysée de la jambe et du pied droit, condamnée à porter un corset à la suite d’un accident d’autobus dont elle sort miraculée mais abimée à vie en 1925, elle a alors dix huit ans, la clavicule, la hanche et la colonne vertébrale touchées. Un drame, dont elle va faire lors de son hospitalisation un destin, appelons cela de la résilience, en commençant à peindre. Quatre ans plus tard, cette petite poupée va épouser le célèbre peintre Diego Rivera, de quatre fois son envergure physique. Avec lui, elle va découvrir les Etats Unis, de San Francisco à New York « une ville sortie de la magie », en passant par Détroit-« un dépotoir ».

Le communisme assumé

New York, c’est là que Rockefeller commandera une fresque restée inachevée à Diego Rivera où ce dernier y fera apparaître par ingéniosité… Lénine. L’engagement du couple pour le communisme, qui divorcera en 1939 pour se remarier quelques mois plus tard, ne sera un secret pour personne. C’est d’ailleurs, en manifestant à New York contre l’invasion du Guatemala, en 1954, après avoir été amputée du pied à cause d’une gangrène et contre l’avis des médecins, que Frida Kahlo décédera à 47 ans. Celle qui avait eu une liaison avec Troski en 1937 retrouvera sa maison d’enfance, la Casa Azul où seront dispersées ses cendres. Voilà pour la biographie de cette artiste qui a dessiné et peint toutes ses étapes cruciales de sa vie que l’on découvre dans l’exposition qui lui est consacrée au Palais Galliera. Car, Frida Kahlo a marqué les mémoires surtout par son style incomparable, des blouses de Tehuana typiques de sa région et des robes chamarrées dont une vingtaine sont exposées au public. La finesse de sa taille s’y révèle à moins que les tuniques ne recouvrent les jupes, associant coton, soie ou broderies. Les bijoux en or rappelant les Mayas sont aussi sa marque de reconnaissance tout comme ses corsets dont l’un d’eux exhibe la faucille et le marteau soviétique qu’elle y a dessinés. Habituée dès son plus jeune âge à prendre la pose, elle a tout, malgré sa petite taille, d’une mannequin.

Mannequin parfait

Un visage parfaitement symétrique, des sourcils qui se rejoignent pour affirmer sa singularité et un corps menu à l’image de Wallis Simpson, sur lesquels tout vêtement tombe parfaitement. Rien à voir cependant entre deux femmes, l’une choisissant un roi et ses millions de livres sterling, l’autre, un artiste et la vie de bohème comme à Paris où elle fera la connaissance d’André Breton ou Man Ray. Ses toiles respirent ainsi le surréalisme, la seule façon qu’elle ait trouvé,  peut-être, d’échapper à la réalité qui fut si dure avec elle, mais qui fit d’elle une artiste hors du commun à laquelle rendit hommage, avec tout son talent artistique, le créateur Jean-Paul Gaultier lors d’une collection complète au printemps-été 1998.

LM

Frida Kalho, au Palais Galliera, jusqu’au 5 mars 2023

L’arbre généalogique, version peinture et l’accident de bus, version dessin

Garçon ou fille?

Le surréalisme avant l’heure

Parce que c’était elle, parce que c’était lui- photographie avec son mari Diego Rivera

Aquarelle et toile de Frida Kahlo représentant son pied amputé, sa colonne fracturée

Parures de cheveux et colliers d’inspiration maya

Final de l’exposition, en beauté avec une robe de Jean-Paul Gaultier

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Autant dire que lorsque le musée d’Orsay organise une exposition, c’est en profusion que les oeuvres sont offertes aux visiteurs, avec un prix à payer: des salles où se frayer un chemin est des plus ardus. Avec près de deux cents huile, dessins et même sculptures, l’exposition sur Rosa bonheur, demeurée inconnue en France malgré son talent exceptionnel de peintre animalier, on est loin du calme sa magnifique maison- atelier et parc de By-Thomery, dans la forêt de Fontainebleau où elle put à loisir peindre chevaux, cerfs ou encore les lions dont elle avait fait venir un couple en disant au transporteur qu’il s’agissait de chatons! Car, elle les aimait les animaux, Rosa Bonheur, cela dès son enfance à Bordeaux,  lorsqu’elle s’appelait encore Marie Rosalie Bonheur,  marquée par le drame de la perte de sa mère à onze ans. C’est elle qui lui avait trouvé ce diminutif de Rosa dans cette famille de quatre enfants, tous devenus artistes. Il faut dire que le père, Raymond Bonheur était lui aussi peintre et offrit dès le départ le cadeau dont tous les enfants rêvent: « Suis ta vie ». Cela permit à Rosa de devenir une star de son temps comme en atteste la provenance des oeuvres réunis venant des musées du monde entier jusqu’à la famille royale anglaise dont le nouveau roi Charles III a prêté un profil de tête de lion confondant de réalisme. Car, mieux que quiconque cette femme libre a su capter l’âme des animaux à travers leur regard, « une chose que j’observais avec un intérêt spécial, c’était l’expression de leur regard, l’oeil n’est-il pas le miroir de l’âme pour toutes les créatures vivantes? « . Ainsi, comme ils semblent vivants ces chiens, ces bovins, ce renard ou ce cerf au pelage si bien restitué qu’il prend l’envie de caresser les toiles.

L’arche de Noé avec les deux femmes de sa vie

Repérée dès 1840, à l’âge de dix-huit ans  en exposant ses deux lapins, Rosa rencontre vite le succès ô combien mérité avec ses tableaux animaliers. de quoi pouvoir s’offrir à 38 ans un petit château où elle vivra bientôt entourée de ses animaux et en compagnie de l’artiste peintre américaine Anna Klumpke, de trente -quatre ans sa cadette de 1898 jusqu’à la mort de Rosa en 1899. Anna sera la mémoire et la légataire universelle, autrice d’une biographie qui fait encore aujourd’hui date. A By, Rosa bonheur pourra observer et peindre à loisir les animaux dans leur cadre naturel, aussi douée pour représenter l’écorce d’un arbre ou son feuillage. C’est dans son atelier, qu’elle nomme son « sanctuaire », lieu central de sa maison et de liberté absolue où sont encore exposés esquisses et animaux empaillés comme la tête de sa jument favorite. Elle y vivra tout d’abord Nathalie Micas, rencontrée à l’âge de 14 ans, une fillette de deux ans plus jeune qu’elle,  qui deviendra sa compagne et que seule la mort de Nathalie, 53 ans plus tard, les séparera. C’est elle qui l’aidera à l’élaboration de ses toiles en reportant les calques et en préparant les fonds de toiles immenses pour rendre compte de cette arche de Noé reconstituée. En rencontrant Buffalo Bill à Neuilly, Rosa y ajoutera bisons et mustangs dans une toile restée inachevée qui clôt cette superbe rétrospective saluant le bicentenaire de la naissance de Rosa Bonheur qui a su résolument honorer son nom de famille.

Par Laetitia Monsacré

Rosa bonheur, au Musée d’Orsay jusqu’au 15 janvier 2023

Des animaux plus vrais que nature, entre leur regard empli de peur, leur pelage ou les détails de leur anatomie, sans oublier l’humour avec cette famille de lions, trois lionceaux comme trois enfants, l’idéal bourgeois de l’époque

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C’est au Grand Palais éphémère, situé sur le Champs de Mars, que Chanel a choisi de faire une opération communication d’envergure et accessible à tous-l’entrée de cette exposition baptisée Le Grand numéro de Chanel étant gratuite. Autant dire qu’en ce début d’année, elle affiche complet à moins de tenter sa chance tôt le matin. Dans une ambiance de cirque, la première salle en rotonde est époustouflante entre un lion doré magistral, animal fétiche de Gabrielle Chanel et un chapiteau pour accueillir quantité de flacons de parfums lancés par la célèbre marque au double C, propriété des frères Wertheimer. De là on accède à cinq autres salles qui vous en mettent plein la vue, et accessoirement le nez, pour célébrer le Mademoiselle Coco, le Bleu de Chanel version console de DJ, le Numéro 5 iconique dans ses différentes versions depuis sa création en 1921, ses ambassadrices de Catherine Deneuve, Carole Bouquet en passant par Audray Tautou et Gisèle Bundchen et ses revisitations par des artistes tels que Andy Warhol ou Salvador Dali. Dans une autre salle, dédié à Chance, on peut en avoir aux tapis d’un casino improvisé pour repartir avec un mini miroir ou se faire maquiller. Enfin, inévitable la boutique si l’on veut s’offrir une part de cet univers féerique d’où, la maison Chanel au chiffre d’affaire de plus de 15 milliards de dollars (deux fois plus que l’année précédente)ne reculant devant rien, chaque visiteur repart avec un sac en tissu crée spécialement pour l’occasion. Une réussite totale.

AW

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D’emblée, on est saisit. Le hall du Musée du jeu de Paume s’est couvert de milliers de petits clichés pour résumer une vie. Since you were born, installation de l’américain Evan Roth, donne à voir toutes les images stockées dans son cache-web depuis la naissance de sa seconde fille. Une oeuvre en lien direct avec le thème de cette exposition Le Supermarché des images qui revient sur notre époque saturée d’images; militant, certains artistes comme le mexicain Minerva Cuevas s’attaque à la pollution comme ce beau paysage de mer trempé dans du goudron qui dégouline de la toile. Andreï Molodkin affiche sa sculpture Yes, triomphante, à la gloire du pétrole tandis que le français Samuel Bianchini dénonce la finance. Sa Main Visible, en référence à Adam Smith figure l’ultralibéralisme, donnant en temps réel les transactions des bourses américaines en nanoseconde qui s’affichent en forme de main sur un écran noir. Emma Charles a filmé pour sa part les salles de marchés « after the bell »- à leur fermeture. Plus loin, chaque photo de l’espagnol Max de Esteban montre des paysages désolés avec pour légende les termes et expressions du vocabulaire de la finance. L’argent, c’est bien lui le grand reponsable qu’il soit dans la Cash machine de Sophie Calle- des photos d’hommes et de femmes pris à leur insu par le distributeur de billets ou en coupures de billets qui forment une ville fantôme chez l’argentin Maximo Gonzalez. Ne manque que les selfies et Instagram pour dénoncer les écueils de notre société ultra monétisée et individualiste.

AW

Le supermarché des images, au Jeu de Paume jusqu’au 7 juin 2020

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L’aura légendaire de Vienne ne se limite pas à la musique, même si l’art des notes prend une place de premier choix sur les cartes postales de la capitale autrichienne. Son offre culturelle compte aussi parmi les plus beaux musées d’Europe, avec une stimulante programmation en cette fin d’année. Le parcours commence avec l’un des rendez-vous incontournables des amateurs de beaux-arts, le Kunsthistorisches Museum. Au-delà de sa très riche collection de peinture, héritée, comme celle du Prado à Madrid, du goût avisé des Habsbourg, l’institution propose, en cette fin d’automne, avec le Rijkmuseum d’Amsterdam, une plongée dans la Rome du dix-septième siècle avec une confrontation entre Caravage et Bernin. Si l’accrochage, avec un fonds estimable, réparti de manière thématique au fil des cinq salles, permet des ponts entre peinture et sculpture, il frustre par la relative banalité comparative d’une compilation sans éclairage précis.

A quelques pas du Ring, derrière la Staatsoper, l’Albertina propose régulièrement des expositions de premier plan, même si le visiteur ne saurait manquer la collection Batliner, avec un condensé de la peinture du vingtième siècle qui rivalise avec les plus grands creusets de l’art moderne. Mais c’est évidemment la rétrospective Dürer qui retiendra d’abord l’attention. Sans prétendre à l’exhaustivité, elle s’appuie sur le riche fonds graphique de la maison, et suit la carrière de l’artiste allemand, avec une habile mise en perspective des esquisses, nombreux dessins et – relativement plus rares – toiles. L’ensemble conjugue rigueur et qualités narratives.

Dürer à l’Albertina et Gerst au Museumsquartier

Le touriste ne manquera pas un autre monument majeur du panorama artistique viennois, le Belvédère, dessiné par Hildebrandt au dix-huitième siècle. Alors que le jardin est en hibernation, le Belvédère inférieur invite à un parcours autour des matériaux par lequel des artistes contemporains revisitent l’histoire de l’art, tandis qu’une autre salle réunit des sculptures religieuses en bois depuis la fin du Moyen-Âge jusqu’au baroque. Mais l’essentiel se situe au Belvédère supérieur, le palais principal, avec son escalier monumental, et surtout la grande Salle de Marbre, où a été signé en 1955 le Traité d’Etat Autrichien, par lequel le pays recouvrait son indépendance après la seconde guerre mondiale, tandis que la Galerie d’art autrichien rassemble, dans un accrochage aéré qui contraste, de manière bienvenue, avec certaines habitudes de murs surchargés, quelques uns des chefs d’oeuvres des dix-neuvième et vingtième siècles, avec, entre autres, le mythique Baiser de Klimt. Au rez-de-chaussée, l’histoire de l’édifice est retracée, maquettes à l’appui.

Retour dans le cœur de la ville, avec le complexe du Museumsquartier, installé dans les anciennes écuries impériales. Dans sa carcasse noire à l’apparence austère, le Mumok, le musée d’art moderne, abrite une belle collection, déployée selon de fécondes affinités thématiques, quand d’autres installations permettent de se plonger dans plusieurs courants artistiques des cent dernières années. Quant au musée Leopold, l’immersion dans l’art de la fin du tournant du siècle où Vienne a bâtit l’une de ses légendes, avec le Jugenstil, le style Sécession et la psychanalyse, se fait dans un intinéraire chronologique et didactique qui fait se répondre les différentes formes de la création. Au niveau inférieur, l’essentiel de la production de Richard Gerstl permet d’apprécier la palette à la fois lumineuse et tourmentée de ce peintre expressionniste dont la vie se trouve, tragiquement, à la croisée des arts : amant de l’épouse de Schönberg, il se suicidera lors le compositeur découvre l’adultère. Aujourd’hui encore, Vienne reste un carrefour de l’Europe et des arts.

Par Gilles Charlassier

Kunsthistorisches Museum, Museumsquartier, Albertina, Belvédère, Vienne – décembre 2019

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En 2019, le Musée Estrine, à Saint-Rémy-de-Provence, proposait une rétrospective consacrée à Alain Grosajt. Une monographie, Alain Grosajt, écrire la peinture, est parue à ce moment-là, aux éditions Silvana Editoriale. Né en 1943, Alain Grosajt a élaboré, dès ses débuts à l’orée des années 70, une œuvre-palimpseste marquée par les traces et la mémoire – et son corollaire, les strates qui les recouvrent au fil du temps. Dans l’entretien mené par Elisa Farran, la commissaire de l’exposition, le peintre rappelle l’anecdote de son expérience artistique fondatrice, l’effacement des signes de craie sur le tableau noir de l’école. D’ailleurs, le titre de la première série de peintures, Effacements, souligne cette matrice.

Nourrie entre autres par ses voyages, l’oeuvre d’Alain Grosajt se décline en séries, au fil desquelles l’artiste explore jusqu’à épuisement son sujet. Point d’exotisme, mais plutôt la quête d’une présence singulière par des variations à partir de teintes ou d’éléments symboliques d’une culture : les feuilles d’arbres aux Antilles, le brun café du Brésil, la chamarre des saris indiens, ou encore la décantation expressive du Japon, entre fleurs et haiku. Mais le dépaysement n’est pas seulement géographique, il peut aussi être temporel, à l’exemple des Marelles, évoquant ce jeu des cours de récréation, qui laissent affleurer les transparences du souvenirs, dans un geste pictural intimement lié à celui de la graphie, tandis que le travail sur les cendres de la série Pompéi explore la matérialité archéologique des rapports de la mémoire avec la mort et la renaissance.

Une réécriture du visible

L’introduction à l’imaginaire d’Alain Grosajt que propose Bertrand Bolognesi – qui vient de recevoir cette année le Prix du meilleur livre sur la musique pour Résurgences du secret ou l’oeuvre pour piano de Jacques Lenot, édité chez Aedam Musicae – ne se contente pas de partir de la révélation esthétique devant le tableau d’école pour décrire la manière personnelle du peintre. Conçu comme une déambulation dans l’atelier de l’artiste en Provence, le texte plonge au cœur du processus créateur, dont témoigne le réaménagement de cette ancienne maison de pêcheur comme une parenthèse monacale : après s’être imprégné de son sujet et des multiples sources de réflexion et d’inspiration, Alain Grosajt s’isole dans une activité productrice qui, à l’aune de son histoire familiale, marquée par la déportation, prend l’allure d’une réinvention cathartique du passé et de sa rémanence dans le présent. Superposant les matières et les techniques, ses toiles invitent le regard à la réécriture du visible.

Après que les cigales du Festival de piano se sont tues à La Roque-d’Anthéron, l’association Patrimoine et culture présente à l’Abbaye de Silvacane jusqu’au 30 septembre une immersion dans la peinture d’Alain Grosajt, Aux fils du temps, coordonnée par Jean-Marc Bourry, sur proposition de Michèle Guérin. Avec les photos de Fabrice Lorier, l’ouvrage paru lors de la rétrospective de 2019 constitue une belle familiarisation pour rencontrer l’univers d’Alain Grosajt, tout comme un prolongement non moins idéal de l’exposition.

Par Gilles Charlassier

Alain Grosajt, écrire la peinture, Editions Silvana Editoriale 2019. Exposition Alain Grosajt, aux fils du temps, jusqu’au 30 septembre 2022 à l’Abbaye de Silvacane.

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En plein confinement privant la France et l’Europe entière de ses musées, si l’envie vous vient d’aller dans voir un sublime christ montrant ses blessures en bois du XVème siècle avec sa couronne d’épines à pleurer d’émotion, un Napoléon chevauchant en pleine conquête ou un Rodin-eh, oui nous n’en avons pas tous un dans le salon comme ce cher Jean (je ne donnerai pas son nom de famille, il m’en voudrait), le Louvre d’Abu Dabhi est pour vous. Situé sur une presqu’île non loin du très américain centre ville, y assister au coucher du soleil à travers ses multiples baies imaginées par l’ architecte du plateau (les trois galeries étant de plein pied), Jean Nouvel, donnant sur la mer puis à l’éclairage des milliers d’étoiles de son dôme la nuit tombée vaut à elle-seule (surtout?) le voyage dans les Émirats Unis, à condition d’avoir fait les deux tests PCR-au départ, et à l’arrivée; vous n’aurez de toutes les façons pas le choix, ici on montre patte blanche dès le parcage dans un hangar à l’aéroport à Dubaï ou à la frontière routière- et pas seulement sa carte visa Platinum. Après avoir failli tomber en panne d’essence au pays du pétrole ce qui valu un détour à Sheik city, le musée s’offre aux yeux (à condition d’avoir réservé sa plage horaire) surtout lorsque c’est bientôt la fermeture très « élective »- 17heures. C’est donc dans un musée quasiment privé que, masque sur le nez, on déambule dans les trois galeries, de l’Egypte des pharaons à l’art contemporain en passant par le mobilier XVI ème siècle en France ou une toile de Mondrian. La rareté fait la richesse; nulle salle à n’en plus finir ou des kilomètres à parcourir pour changer de siècle comme chez le grand frère parisien, ici tout se donne à voir l’espace d’une visite prévue en vingt minutes, mais laquelle! De Napoléon caracolant et triomphant à La Censure de Magritte montrant une femme occidentale s’écriant à la lecture d’un livre- les choix des toiles mais également des sculptures sont d’une justesse infinie pour que la culture retrouve son essence même: être le pont entre les différentes cultures et religions, du Christianisme à l’Islam- une magnifique et solide passerelle tendue entre l’Orient et l’Occident. La mise en valeur de chaque oeuvre individualisée par un cartel rédigé en anglais et en arabe contribue à la réussite de la visite agrémentée par un bar-restaurant Fouquet’s dominant la baie et où le camembert égale le meilleur de Normandie. Le meilleur: voilà dans les trois premières salles « Premiers Villages » entre sculptures et poteries datant de 10 000 ans avant notre ère, lorsque le Proche Orient était bien en avance sur nous comme en témoignent ce que nous appelons l’art primitif, particulièrement mis en scène par un certain Jean Nouvel au Musée du Quai Branly. Une divinité protectrice en Asie Centrale datant de 2300 avant JC, des statuettes trouvées dans la vallée des rois du côté du Nil, les premiers royaumes se forment le long de L’Euphrate, du Fleuve jaune, de l’Indus ou du Tibre vers 3000 ans avant JC avec les premières armes et d’apparats tandis que le cheval ouvre de nouveaux horizons. Ecrire, compter, conter devient une occupation perenne que les Egyptiens diffusent en Mésopotamie puis en Chine du Nord; Gudea, Prince de Lagash en Iraq est immortalisé à jamais en granit alors que les Egyptiens célèbrent l’au delà comme un nouveau royaume entre sarcophages et urnes pour recueillir les viscères. Autant d’illustrations des « Premiers grand pouvoirs » avant « Civilisations et Empires » où les religions s’entrecroisent entre buddhas, Christ ou icônes orthodoxes. La fin de la visite se déroule dans un labyrinthe de fil tendu dont on sort avec une félicité à la mesure de la réussite que constitue ce petit morceau de France dans le monde musulman, bravo.

Par Laetitia Monsacré

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S’il est impossible d’ignorer l’internement des juifs français pendant la Seconde Guerre mondiale -entre films comme La rafle ou moults livres, plus de 6 500 personnes, dont un grand nombre d’enfants, en majorité français, ont été aussi internés dans plus d’une trentaine de camps pour nomades entre octobre 1940 et 1946. L’exposition L’internement des Nomades, une histoire Française (1940-1946), actuellement au Mémorial de la Shoah, fait le point sur cette énième page sombre de l’ histoire de notre pays. Une troisième exposition revenant sur les génocides du XXème siècle et qui fait suite à Rwanda 1994 : le génocide des Tutsi ou encore Le génocide des Arméniens de l’Empire ottoman, avec un mot d’ordre commun à tous ces actes barbares:  stigmatiser, détruire, exclure.

L’exposition se divise en deux parties, la première fait la chronologie de l’histoire de ces populations « apatrides, asociales, voleuses d’enfants, porteuses de maladies » dont l’image se dégrade progressivement au cours du XIXe siècle. De nombreux préjugés infondés sont diffusés au travers de la presse, on retrouve même un cinglant exemple de cette xénophobie dans un tome de la bande-dessinée Bécassine présenté par le mémorial. L’incompréhension et la méfiance vis-à-vis de ces familles dites « bohémiennes » s’enracinent chez les Français et bientôt l’Etat s’organise : dénombrement, carnet anthropométrique, contrôle systématique de leurs déplacements, création de statuts spécifiques contraignants en 1912… L’exposition montre comment dès la Première Guerre mondiale, une première expérience d’internement est expérimentée sur des « Alsaciens-Lorrains romanichels » soupçonnés d’espionnage.

La France, responsable mais pas coupable

Quand arrive la Seconde Guerre mondiale, leur sort ne fait qu’empirer; perçus comme une menace à la sécurité nationale, un décret interdit dès avril 1940 leur circulation sur l’ensemble du territoire. Vient ensuite le temps de l’internement dans les camps, d’abord en zone occupée, puis en zone libre, sous Vichy. Enfermés, spoliés, contraints aux travaux forcés, maintenus dans des conditions de vie misérable (comme en témoignent les documents d’archives présentés) les plus malchanceux seront déportés. La deuxième partie de l’exposition se focalise, au moyen de photos, dessins et lettres, sur la vie de ses victimes dans les camps d’internement français tels que Mérignac Beaudésert en Gironde, Linas-Montlhéry en Essonne, Montreuil-Bellay en Maine-et-Loire ou encore Jargeau dans le Loiret. Bien après la fin de la guerre, le dernier interné nomade sortira le 1er juin 1946. Il faut attendre le 29 octobre 2016, soixante dix ans plus tard, pour que François Hollande, alors président, déclare « La République reconnaît que sa responsabilité est grande dans ce drame. ».

Si le sujet de l’exposition est brillamment traité, rendant une histoire complexe facilement intelligible à l’aide d’un contenu dense, la forme manque peut-être un peu d’originalité, inutile de venir avec ses enfants tant il faut lire, les textes des salles, puis les nombreux documents d’archives, témoignages et lettres qui se révèlent très touchants dans ce qu’ils racontent de la souffrance vécue par ses populations nomades. Puissante, l’exposition rappelle à la mémoire commune les crimes longtemps inavoués de la République. Trop libres, trop différents, pour celles et ceux qui souhaitent vivre différemment, les difficultés sont immenses. Voilà une vérité qui n’a guère changé.

Par Loris Ternynck

L’internement des Nomades, une histoire Française (1940-1946), jusqu’au 17 mars 2019 au Mémorial de la Shoah à Paris.

Une scénographie qui frôle un peu l’overdose

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Quel est le point commun entre Karl Lagerfeld et feu Johnny Hallyday? Les bagues! A l’instar des tatouages, les voici redevenues à la mode chez la gente masculine avec l’exposition Bagues d’Hommes dévoilant la collection personnelle d’Yves Gastou, collectionneur et galeriste bien connu de la rue Bonaparte. L’idée? Redonner ses lettres de noblesse à cet accessoire à la signification complexe et ambiguë; symbole de pouvoir, outil de communication politique, tantôt prôné, tantôt condamné, l’attitude vis-à-vis de ce bijou fluctue au fil des siècles et des époques. Lorsqu’on s’habille, on affiche sa différence, si la boucle d’oreille apparait chez les pirates et voleurs, elle disparaît alors des têtes couronnées et lorsque la bague devient un bijou pour les belles, elle s’enfuit des doigts de ces virils barbus. L’habit ne fait pas le moine, mais y contribue.

Vanités et autres diamants gros comme le Ritz

Avec près de 500 bagues, l’exposition présentée à l’École des Arts Joailliers, à deux pas de la place Vendôme, donne ainsi à contempler des bijoux aussi bien néoclassiques que gothiques, ethniques ou religieux, ou encore des vanités et autres curiosités. Une bague d’évêque fin XIXème siècle, composée d’une améthyste taillée en ovale et d’un entourage de diamants, invite à la méditation sur la richesse de l’Église en ce temps, quand le peuple connaissait encore tellement de difficultés pour subsister. Plus loin, des bagues ornées de camées et d’intailles, en agate, onyx ou cornaline, des XVIIIe et XIXe siècles, représentent des portraits mythologiques et font rêver d’antique. Quelques pas encore et se présente une impressionnante collection de crânes, typiques du style biker américain. La scénographie, pas franchement marquante, souhaite s’inspirer d’une ambiance mystico-gothique dont on pourrait bien se passer, toute l’attention se concentrant sur les vitrines éclairées, devant des pierres précieuses ostentatoires et grosses comme des cailloux. Nulle hiérarchie n’est établie entre les bagues, et c’est tant mieux, libre à chacun d’exprimer ses préférences. Dans une société moderne où le genre n’a plus autant d’importance, où le bling bling et le chic s’expriment au travers des accessoires, où les hommes, hipsters, rappeurs, bobos ou métrosexuels portent la même attention à leur apparence que les femmes, un nouvel âge d’or de la bague émerge peut-être. « Le superflu est une chose très nécessaire », on ne saurait mieux conclure que Voltaire…

Par Loris Ternynck

Bagues d’Hommes, collection d’Yves Gastou, jusqu’au 30 novembre 2018 à l’Ecole des Arts Joaillers, Paris

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On a beau vouloir vivre avec son temps, certaines situations nous dépassent. Au Jeu de paume, on pouvait voir ce mardi un jeune couple , bras tendus, se prendre en selfie dans le musée faisant tous deux des mines empruntées. Derrière eux, relayée au second plan, la photo iconique de la photographe américaine, Migrant mother,  le visage grave, les rides profondes, bien qu’elle n’ait que 32 ans, ses deux enfants endormis dans ses bras, qui regarde au loin. Pris en 1936, par la photographe américaine mondialement connue Dorothea Lange, l’œuvre tient une place centrale dans l’exposition rétrospective qui lui est consacrée. Cette femme, dont on a fini par retrouver le nom, Florence Owens Thompson, est devenue bien malgré elle un symbole de la grande dépression, incarnant à elle seule la photographie politique, sociale et engagée de Dorothea Lange.
L’exposition couvre la période allant de 1933 à 1957, en cinq sections distinctes : la période de la Grande Dépression (1933-1934), le travail effectué dans le cadre de la Farm Security Administration (1935-1939), les camps d’internement des Américains d’origine japonaise (1942), les chantiers navals de Richmond (1942-1944) et le reportage sur un avocat commis d’office (1955-1957). Si Dorothea Lange commence sa carrière comme portraitiste studio, pour le San Francisco aisé, adoptant le nom de jeune fille de sa mère, c’est comme photographe de terrain et de documentation qu’elle se fera réellement connaître. En 1933, elle emporte pour la première fois son appareil photo dans la rue et réalise la photographie White Angel Breadline, témoignant des conséquences de la crise économique. Elle ne sait pas encore que faire de ces clichés, mais une envie est née.

Des témoignages parfois censurés

Tout au long de l’exposition, on découvre un travail d’une incroyable sensibilité, le portrait d’une société en crise, d’hommes et de femmes en grandes difficultés, mais que Dorothea Lange préfère faire poser debout et fiers devant son objectif, plutôt qu’abattus. Celle qui disait « Je ne vole jamais une photo. Jamais. Toutes mes photographies sont réalisées en collaboration, car elles font partie de leur réflexion comme de la mienne », sait approcher son sujet, le mettre en confiance, pour interagir avec lui. Peut-être sa claudication héritée d’une poliomyélite contractée dans son enfance la rendait plus accessible. Cette relation se manifeste dans les légendes qu’elle consigne dans un carnet qui toujours l’accompagne, rendant sa pratique presque archiviste. Ces textes décrivent parfois la situation, raconte l’avant ou l’après de la photographie, reprennent une parole échangée et ce faisant contextualise l’image. Fait inhabituel, les cartels jouent pour une fois un rôle majeur dans l’exposition en devenant de véritables éléments narratifs, rendant l’image plus réelle encore.
Il y a 20 ans que l’œuvre de Dorothea Lange n’avait pas été présentée en France. Elle qui produisit les images ayant façonné, à l’instar du célèbre roman de John Steinbeck, Les Raisins de la colère, notre vision de la Grande Dépression contribua à rendre visible une réalité parfois étouffée, comme l’atteste la série consacrée aux camps d’internement des Américains d’origine japonaise (conséquence du bombardement de Pearl Harbor) censurée jusqu’en 2006. Ce témoignage historique et émouvant, porte toute son attention sur l’autre, alors pourquoi ne pas s’en inspirer, en commençant par jeter sa perche à selfie ?

Par Loris Ternynck

Dorothea Lange, La politique du visible, au Jeu de Paume, jusqu’au 21 janvier 2019. 

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Dave Heath est un photographe mais aussi un poète. Influencé par Eugene W. Smith et par les maîtres de l’école de Chicago dont Aaron Siskind et Harry Callahan, sa photographie est avant tout une manière « d’attester de sa présence au monde en reconnaissant en l’autre un alter ego absorbé dans ses tourments intérieurs ». Il sera l’un des premiers, dès les années 1950, à exprimer aussi radicalement le sentiment d’aliénation et d’isolement inhérent à la société moderne. L’exposition « Dialogues with Solitudes » est une série de portraits issus d’un livre publié en 1965, considéré comme son livre majeur. Tirées en noir et blanc très contrasté et à la lumière douce, les portraits en cadrage parfois très serrés sont extraits de la foule. Ils dégagent l’âme de chacun, la solitude au milieu de la foule. Dave Heath photographie les passants dans les rues américaines : « la ville moderne est une scène, les passants des acteurs qui ne jouent pas une scène mais sont eux-mêmes cette pièce ». Aucun indice de lieux ou de temps, mais une expérience au monde, une tension, une promiscuité des corps et un isolement des individus. Des visages photographiés au plus profond de l’expression de l’être et qui dans leur solitude se rejoignent. Les photographies, rythmées par de la poésie, dialoguent entre elles. Seuls dans la foule mais présents au monde…La beauté et la poésie de ces visages sont tout aussi frappantes qu’elles nous renvoient à notre propre solitude.

Par Karine S. Bouvatier

L’exposition est mise en parallèle avec trois films du cinéma indépendant sur la solitude « Salesman » de Albert et David Maysles et Charlotte Mitchelle Zwerin (1968), « Portrait of Jason » de Shirley Clarke (1966) et « The Savage Eye » de Ben Maddow, Sydney Meyers et Jospeh Strick (1960).

« Dialogues with Solitudes », de Davide Heath jusqu’au 23 décembre 2018 au Bal, 6 impasse de la Défense 75018 Paris

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Des personnages étonnants, des gens de tous les jours et qui pourtant semblent sortir tout droit d’une bobine de film… Est-ce la confrontation des photos de Sabine Weiss avec celles de photographes contemporains qui donne cet aspect cinématographique?
Les villes, la rue, l’autre est une exposition de photographies unique en son genre. Elle plonge au cœur de la photographie humaniste de Sabine Weiss, une époque révolue (l’exposition couvre la période 1945-1960) et met en lumière notre temps par sa confrontation avec des photographes contemporains.
« Une image toute simple, dépouillée, mais qui montre la joie, le malheur ou l’hésitation d’un individu, c’est ce que j’aime » dit Sabine Weiss.
Sabine Weiss arpente les rues et part à la rencontre de l’autre, captant les bonheurs simples de la vie de tous les jours, les difficultés et les injustices. Lumières douces, instants décisifs à la Cartier-Bresson, reflets dans les flaques, le Paris des années cinquante, des regards, des sourires, du mouvement, le froid, le soleil, des cadrages en plongée…Sabine Weiss avance, s’éloigne, surprend. Tel un ballet, c’est un spectacle vivant, enthousiasmant. On dirait presqu’un film. Paris, New York, Moscou.

Paris, Los Angeles, Moscou, New York

L’exposition dégage une énergie forte. Elle met en regard les photographies de Sabine Weiss avec celles de quatre photographes contemporains qui travaillent également la thématique de la ville, la rue et l’individu. L’exposition est divisée en quatre thèmes: « La ville contrastes et lumières » où le noir et blanc de Paris de Sabine Weiss, théâtre de vie est mis en regard avec les couleurs de Los Angeles pourtant empreint de solitude de la photographe Lise Sarfati. « La séquence », des photographies de scènes de vie dans Paris de Sabine Weiss sont mises en regard avec celles du photographe Paul Graham « A Shimmer of possibility », moments poétiques d’instantanés d’un road trip américain.
Et puis la série « Moscou » de Sabine Weiss de 1961 illustrant des parades organisées sous le régime totalitaire de Nikita Kroutchev mises en regard avec des photographies de Paola Yacoub, prises au Liban, de vendeurs de fleurs soupçonnés d’être des agents syriens. Enfin, la série « New York », des images de Sabine Weiss bouillonnantes, en regard avec celles de Viktoria Binschtok dont le travail est un jumelage de photographie humaine et d’exploration virtuelle.

Ces confrontations permettent de comprendre une certaine évolution de la photographie de rue, de la ville où l’on perçoit une solitude encore plus grande et saisissante aujourd’hui. L’approche est intéressante et originale car elle permet d’extraire le sens de ce qui se passe autour de chacun de nous.
« Lumières, gestes, regards, mouvement, silence, repos, détente, je voudrais tout incorporer dans cet instant pour que s’exprime avec un minimum de moyens l’essentiel de l’homme » dit Sabine Weiss. Pari réussi !

« Les Villes, la rue, l’autre » au Centre Pompidou jusqu’au 15 octobre 2018

crédits photos

par Karine S. BOUVATIER

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