Avec Le Crépuscule des dieux, le Théâtre de La Monnaie referme le Ring que l’institution bruxelloise avait initiée la saison dernière, avec Romeo Castellucci, auquel a succédé Pierre Audi, cette année à partir du troisième volet, Siegfried. Pour la conclusion du cycle, la partie la plus conséquente avec quatre heures et demie de musique – et avec deux longs entractes, cela fait six heures de spectacle –, on retrouve les grandes lignes scénographiques de l’actuel directeur artistique du festival d’Aix-en-Provence. Comme dans Siegfried, la mosaïque mobile de Chris Kondek à partir d’éléments vidéos d’un atelier pédagogique d’enfants s’identifiant aux héros de la geste des Nibelung meublent le Prélude, crochet avec la transmission du patrimoine légendaire qui ne subit pas plus de traitement dramaturgique singulier que les éléments symboliques du décor dessiné par Michael Simon – la seule idée vraiment originale du spectacle est l’évocation de la gémellité incestueuse entre Gutrune et Gunther, comme un miroir à celle de Siegmund et Sieglinde, sacrifiées l’une et l’autre, mais sans tirer de parti au fil d’une narration d’images. Restent les lumières évocatrices par Valerio Tiberio, même si l’anneau irradiant comme la suggestion de quelque horizon eschatologique ne présente pas plus d’innovation que les costumes sans époque de Petra Reinhardt.

Une magistrale direction orchestrale

Avouons cependant que ce n’était de toute façon pas dans la proposition scénique que les attentes étaient placées. Du plateau vocal, c’est sans doute la Brünnhilde d’Ingela Brimberg, dont l’éclat s’est enrichi depuis La Walkyrie qui donne le meilleur de son incarnation wagnérienne dans cet ultime épisode. Malgré une direction d’acteurs minimale, elle rend perceptible, particulièrement au dernier acte, l’intelligence d’un personnage qui a traversé les turpitudes humaines. Bryan Register ne manque pas d’héroïsme en Siegfried, tandis qu’Andrew Foster-Williams met en valeur la vaillance hésitante de Gunther, attaché à sa sœur Gutrune, dont Anett Fritsch réveille un peu de personnalité lors de son ultime apparition. Ain Anger impose la brutalité de Hagen, que tenaille l’ombre d’Alberich portée par le mordant émérite de Scott Hendricks. Nora Gubisch réveille les inquiétudes prophétiques de Waltraute. Marvic Monreal, Iris van Wijnen et Katie Lowe forment une complémentaire triade de Nornes, à l’instar de celle formées par les trois filles du Rhin – Tamara Banjesevic, Jelena Kordic et Christel Loetzsch. Préparés par Emmanuel Trenque, les choeurs font résonner l’entrain et la violence de la foule.

Mais c’est indubitablement pour la direction d’Alain Altinoglu qui motivait de traverser la frontière – et qui confirme, comme on l’a déjà dit, qu’il est l’une des meilleures baguettes wagnériennes du moment. La lourdeur récapitulative du récit au Prologue et au premier acte n’est pas toujours aisée à équilibrer, de même que la puissance massive des débats à la cour de Hagen, où la densité de la palette doit composer avec le risque de la saturation. C’est, à l’évidence, dans le dernier acte, que la générosité du chef français s’épanouit le mieux, en faisant chatoyer la richesse suggestive des couleurs et des textures d’une partition qui se referme sur un épitomé des grands thèmes traversant une fresque, dont Alain Altinoglu met à jour les rouages avec un exemplaire sens de la vitalité théâtrale. A La Monnaie, la vérité wagnérienne rayonne depuis la fosse.

Par Gilles Charlassier

Le Crépuscule des dieux, Théâtre de La Monnaie, Bruxelles, février-mars 2025.

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Dans la vaste salle de près de 4000 sièges, l’obscurité se fait tandis que les premiers frémissements éthérés du Prélude de Lohengrin se font entendre. Sur le rideau de scène, un globe lunaire est en rotation. Ce sera un jalon de tout le spectacle. L’astre prendra à l’occasion des teintes rougeoyantes, dans certaines épisodes plus dramatiques. La nouvelle mise en scène de Lohengrin de François Girard au Metropolitan Opera de New York, dix ans après un Parsifal coproduit avec l’Opéra de Lyon – les deux ouvrages de Wagner sont d’ailleurs liés, puisque dans la généalogie de la légende arthurienne le premier est le fils du second – prend d’abord le parti de l’illustration : l’impact visuel, avant les explorations et les interrogations théâtrales.

Sous les lumières de David Finn, la scénographie de Tim Yip s’articule autour d’un espace unique placé sous un oculus dont l’inclination varie au fil du drame, et dans lequel Peter Flaherty injecte des projections vidéos mêlant au cosmique des irradiations plus traditionnelles pour le Graal ou le battement d’ombres d’ailes lors de l’arrivée du cygne. Entre vert, blanc et rouge, les couleurs des costumes et des éclairages jouent la carte d’une lisibilité symbolique presque primaire, entre pouvoir, innocence et trahison vengeresse, sur un plateau où la lignosité s’infiltre jusque dans le trône de justice du roi. D’aucuns rappelleraient que le spectacle de François Girard était à l’affiche du Bolchoï le jour de l’invasion de l’Ukraine par la Russie, et que la première au Met se tient presque un an jour pour jour plus tard – l’avant-veille l’institution new-yorkaise avait organisé un concert pour ce tragique anniversaire. Il reste qu’aux tentations d’iconoclasme herméneutique souvent en cour à Bayreuth, le travail du Québécois préfère, dans un tropisme peut-être influencé par sa carrière de réalisateur, une plasticité quasi-cinématographique propice à la diffusion sur écrans le samedi 18 mars prochain, où les gros plans pallieront une direction d’acteurs efficace autant que banale.

Magistral Lohengrin de Piotr Bezcala

Car c’est un Lohengrin de premier plan que le Met a confié le rôle-titre. Sept ans après avoir l’avoir chanté à Dresde aux côtés d’Anna Netrebko, et repris ensuite à Bayreuth, Piotr Beczala s’affirme comme l’une des meilleures incarnations d’aujourd’hui du blond chevalier wagnérien. La luminosité de miel du timbre se glisse dans une émission légèrement resserrée, très reconnaissable d’ailleurs, qui lui donne un frémissement et une intensité que de plus placides interprètes n’expriment pas avec une telle sensibilité. Une telle voix fait toute la présence sur scène. Le conflit ukrainien a eu raison de sa complicité avec Anna Netrebko, initialement prévue pour ce nouveau Lohengrin, et désormais blacklistée, comme Valery Gergiev, en raison de sa complaisance avec Poutine. Tamara Wilson défend une Elsa investie, où la clarté de l’innocence n’oublie pas la tension des sentiments. En Ortrud, Christine Goerke ne ménage pas sa vindicte, avec des accents tranchants et vigoureux, qui soumettent un Telramund manipulé, confié à un Evgeny Nikitin que l’on a connu plus vaillant. Günther Groissböck campe un solide roi Heinrich, secondé par les interventions sonores du héraut confiées à Brian Mulligan. Préparés par Donald Palumbo, les choeurs robustes se montrent à la hauteur de leur réputation.

Dans la fosse, Yannick Nézet-Séguin met en valeur la puissance expressive d’une partition qui fut la première de Wagner à être jouée au Met, quelques semaines après son inauguration en 1883, et qui reste l’opus wagnérien qui y est le plus joué, avec plus de six cents représentations. Pour ce retour après dix-sept ans d’absence, le chef canadien n’hésite pas à faire entendre des échos et des couleurs inouïes, dans une lecture qui prend le temps de façonner la pâte orchestrale. Si le Met ne se prétend pas une scène d’avant-garde, il ne se confit pas dans la tradition poussiéreuse. La facture musicale de nouveau Lohengrin en témoigne – et la haute définition des salles obscures permettra de la goûter à quelques milliers de kilomètres.

Par Gilles Charlassier

Lohengrin, Metreopolitan Operan, New York, du 26 février au 1er avril 2023, sur écrans en direct le 18 mars à 17 heures. 

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Précipitez vous, il reste encore quelques places libres à l’orchestre pour ce très réussi Tannhäuser de Wagner donné jusqu’au samedi 29 octobre à l’Opéra Bastille. Cela était d’autant plus facile à repérer que la salle est restée, pendant l’opéra, de longs moments éclairée. Car Robert Carsen qui en signe la mise en scène, est comme Olivier Py (voir article). Il aime que l’opéra, le théâtre descende dans la rue.  Que les chanteurs viennent se mouvoir au plus près, installant à cet effet des  passerelles au dessus de la fosse de l’orchestre, que les sons vous surprennent comme ses trompettes venant du fond de la salle, bref que le public participe, qu’il se sente « enveloppé ». Et qu’il puisse s’identifier à cette histoire sur la difficulté pour les artistes de créer, les doutes et la reconnaissance qui peut ne jamais arriver. Ainsi pour qui a assisté à n’importe quel cocktail- ceux de l’Arop par exemple- nul doute que les scènes du vernissage leur permettront de reconnaitre, joués par le choeur,  ces assoiffés et affamés qui se jettent sur le buffet. Carsen a choisit une mise en scène dépouillée comme à son habitude; le dénuement est tel que c’est dans la tenue d’Eve que la doublure de Sophie Koch-Venus- passe la première demi heure sur scène. Un tableau presque orgiaque où les hommes se vautrent à terre dans une peinture rouge sans qu’un chant ne s’élève. Et l’occasion de mesurer la direction ô combien parfaite du chef d’orchestre-Sir Mark Elder, très applaudi. Il faut ainsi voir comment,  sur plus de trois heures, il regarde avec sollicitude et une extrême douceur ses musiciens, révélant avec grâce chaque couleur de la partition. La distribution est au niveau avec des chanteurs qui se coulent avec talent dans les propositions scéniques du metteur en scène,  lequel donne ici de remarquables accents contemporains à cette oeuvre  composée il y a plus de 150 ans…Bravissimo.

LM

Vernissage avec l’artiste seul, si seul au milieu de tous…

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