Printemps orchestral hors des sentiers battus

Sous le mandat de Jaap van Zweden, qui arrive à la direction musicale du Philharmonique de Radio France, le New York Philharmonic a élargi son répertoire, et s’est à nouveau ouvert à la création, sans oublier un calibrage de la sonorité qui lui a permis de retrouver sa légitimité parmi les « Big Five » d’outre – Atlantique, mise en valeur par les derniers travaux de rénovation du David Geffen Hall. Le programme dirigé en mi-avril par Thomas Songergard, qui fait ses débuts avec la phalange américaine, illustre la versatilité esthétique maîtrisée par les pupitres new-yorkais.

Donné en ouverture, le court poème symphonique de Lili Boulanger, D’un matin de printemps, qui est l’une des dernières pages de la main de la compositrice disparue prématurément en 1918 à seulement vingt-cinq ans, condense des évocations impressionnistes avec des alchimies de timbres nourries et souples à la fois, en constante évolution au fil de cette pièce brève. Les chatoiements des bois, couvrant toute l’étendue des tessitures, du piccolo au sarrusophone – partie généralement confiée comme ici au contrebasson – et les arpèges de la harpe, façonnent un ondoiement de couleurs et de mélodies dans la lignée d’un Debussy, voire d’un Ravel, qui permet, comme c’est le cas ce soir au Lincoln Center, de mesurer l’excellence d’une formation symphonique – même si, en se reposant sur la densité orchestrale, le chef danois alourdit parfois un peu l’allant de la partition.

Une création éclectique

Avec la co-commande réalisée avec les Berliner Philharmoniker, le Royal Stockholm et la BBC, la première américaine par le New York Philharmonic de Keyframes for a hippogriff – Musical calligrams in memoriam Hester Diamond de Olga Neuwirth s’inscrit dans le Project 19 de dix-neuf créations de dix-neuf compositrices, initié sur plusieurs saisons – en 2023-2024, il y en a deux autres, une de Melinda Wagner le 7 avril et une de Mary Kouyoumdjian le 10 mai. Figure majeure de la scène musicale germanique, et plus largement européenne, l’Autrichienne – qui a vu, en 2014, une des œuvres jouée par la formation new-yorkaise au Museum of Modern Art, Piazza dei numeri, et, en 2019, la création, à la Staatsoper de Vienne, de son opéra Orlando – se distingue par son travail sur l’hétérogénéité musicale, voire sonore, à la manière de ce que faisait Mahler il y a un peu plus d’un siècle. Sur un canevas de mots et de phrases puisé chez une dizaine de poètes, de l’Arioste à Walt Whitman, et aux graffitis urbains, cette mosaïque associant l’orchestre symphonique avec les sonorités électroacoustiques et rock célèbre un irrésistible élan vers la liberté, jalonné par les psalmodies du contre-ténor Andrew Watts et les interventions des voix d’enfants du Brooklyn Youth Chorus. Cette succession d’épisodes musicaux aux allures de patchwork révèle une cohérence au cœur d’un foisonnement qui se veut celui de la vie même. Dans une réinvention contemporaine du geste mahlérien, la beauté que défend Olga Neuwirth assume la trivialité du monde qu’elle transforme en une fresque sans doute moins métaphysique que dans les grandes symphonies romantiques, mais non moins idéaliste.

Après cette démonstration magistrale que la musique contemporaine peut, sans renoncer à son exigence, toucher le public, la Symphonie n°5 de Prokofiev, à l’issue de l’entracte, confirme l’équilibre du New York Philharmonic, entre puissance et émotion, dans un opus où les thèmes évoquent les grands ballets Cendrillon ou Roméo et Juliette. Le phrasé large et intense de l’Andante fait place à l’irrésistible vitalité rythmique de l’Allegro marcato, ponctuée par un trio à la tonalité plus élégiaque que l’on retrouve dans l’Adagio. Quant au finale, il referme une soirée placée sous la polyvalence expressive – une des pierres de touche de l’excellence d’un orchestre.

Par Gilles Charlassier

New York Philharmonic, avril 2024

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L’élan apporté au New York Philharmonic par Jaap van Sweden depuis qu’il en a pris la direction en 2018 se traduit tant dans l’élargissement du répertoire que dans l’invitation de baguettes nouvelles, à l’exemple du programme dirigé par Hannu Lintu en novembre. Pour ses débuts à la tête du plus ancien orchestre américain, Nathalie Stutzmann, cheffe invitée du Philadelphia Orchestra depuis 2021 et, cette saison, directrice musicale de celui d’Atlanta, fait respirer le renouvellement de la palette de la première phalange symphonique de Big Apple. En incipit d’un programme équilibré entre deux grands classiques et une partition moins jouée, l’Ouverture de Tannhauser de Wagner, opéra dont la cheffe française avait donné à Monte-Carlo la version traduite pour l’Opéra de Paris en 1861, fait valoir d’emblée la souplesse de la baguette. L’approche vivante des textures n’hésite pas à tuiler discrètement les phrasés, et alterne avec un authentique instinct expressif les élans passionnés, portés par des cuivres à la fois clairs et robustes, avec des épisodes descriptifs et suggestifs, à l’exemple du sfumato des gazouillis de cordes évoquant les nimbes de la sensualité. Sans renoncer à l’éclat dramatique, cette lecture ne néglige pas une certaine fraîcheur de son humanité intense. Composée dans les dernières années de la vie de Prokofiev, la Sinfonia concertante opus 125 démontre une virtuosité qui va crescendo au fil des trois mouvements, depuis l’Andante augural, nourri d’un sentiment que fait rayonner Alisa Weilerstein, jusqu’à l’étourdissant Allegretto finale, emmené par un archet alerte auquel répond la solidarité du soutien orchestral, en passant par un Allegro giusto et un interlude Andante con moto qui confirment une maîtrise des couleurs et des rythmes de Prokofiev.

Après l’entracte, la Symphonie n°9 dite du Nouveau Monde de Dvorak, compte parmi les légendes du New York Philharmonic, qui l’a créé en 1893 lors de la tournée américaine du compositeur tchèque. Sans s’affranchir entièrement de toute tradition par des prétentions iconoclastes, Nathalie Stutzmann réussit à libérer la partition de la patine qui parfois la fige. Dès l’Adagio introductif et l’Allegro molto contrasté qui suit, elle accorde une attention subtile et mobile à l’individualisation des épisodes, sans jamais disperser pour autant l’architecture de la symphonie. Le Largo, avec sa fameuse mélodie aux allures de chant populaire, distille une ambiance pastorale nuancée avec beaucoup de sensibilité. Prenant appui sur des cordes puissantes mais non massives, le Scherzo propulse une énergie conduisant à un finale que font rayonner des cuivres lumineux et dénués de lourdeur. Si elle ne dévoile pas de facettes inouïes, cette interprétation de la Neuvième de Dvorak, redonne une vitalité et une fraîcheur bienvenues à ce totem, comme à l’ensemble du concert.

Du Lincoln Center à Carnegie Hall

A quelques blocs du Lincoln Center et du David Geffen Hall avec son auditorium rénové et son acoustique enfin favorable, Carnegie Hall propose, avec ses trois salles, une programmation variée. Devant un peu plus de 250 sièges, le Weill Recital Hall est l’écrin idéal pour la musique de chambre. La veille des premiers pas de Nathalie Stutzmann avec le New York Philharmonic, l’Ensemble Connect, soutenu également par la Julliard School et le service éducatif de la ville de New York, mêle pages romantiques et contemporaines. La soirée s’ouvre sur une mosaïque de Jennifer Higdon, Dark Wood, avec un quatuor avec basson élargissant le trio avec piano traditionnel. En une douzaine de minutes s’enchaînent des variations emportés par un indéniable pulsation qui synthétise les diverses explorations de la modernité dans un langage plaisant et accessible. Après le Quintette pour piano et vents de Mozart et un entracte, on retrouve ces qualités dans la commande passée à Michi Wiancko, 7 Kinships. Ces miniatures pour flûte, clarinette, basson et cor déclinent les combinaisons avec une virtuosité qui n’oublie pas le sourire, en une complicité que ne manque pas de goûter le public. Le Quintette avec piano opus 44 de Schumann referme le concert sur un format plus traditionnel, défendu avec une vigueur qui ne perdrait rien à des attaques un peu moins monolithiques, sans altérer la veine romantique de l’ouvrage. Cet appréciable pont entre hier et aujourd’hui dément la ghettoïsation de la musique contemporaine.

Par Gilles Charlassier

Ensemble Connect, Carnegie Hall, 21 février 2023 ; New York Philharmonic, 22 février 2023

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Si la rentrée est synonyme de création contemporaine à Paris avec, depuis plus de quarante ans, le Festival d’automne, l’autre rive de l’Atlantique n’est pas en reste pour proposer des expériences musicales alternatives. A rebours des grosses productions du Metropolitan Opera, exigeantes en budget tant pour la scène que pour le public, le City Lyric Opera propose une approche plus accessible lyrique, au cœur de la cité et de la modernité.

Sur un livret autobiographique de Leah Lax, Uncovered de Lori Laitman décrit l’émancipation d’une jeune lesbienne contrainte par sa communauté ultra-orthodoxe hassidique à se marier. En neuf scènes, l’ouvrage traverse quatre décennies depuis le milieu des années soixante-dix, avec, comme tournant, une huitième maternité que l’épouse devra interrompre pour survivre. Accompagné par un quatuor chambriste – clarinette, violon, violoncelle et piano – coordonné par Jackson McKinnon, le plateau vocal est habilement calibré, dans une immédiate proximité avec le public qui contraste avec l’habituelle distance des spectateurs vis-à-vis des interprètes dans les salles d’opéra. S’appuyant sur une scénographie évoluant à vue, sous les lumières de Jessica Wall, Beth Greenberg met en évidence l’oppression de la morale collective, résumée par des ensembles vigoureux. Dans une partition assumant un éclectisme expressif et un syncrétisme lyrique qui ne méprise pas l’efficacité de certaines recettes développées par la comédie musicale, Rachel Policar assume le douloureux parcours initiatique de la jeune héroïne, sous le regard de son avatar mature, Emily Blair, comme un des fils narratifs de cette découverte de soi. Sydney Anderson incarne la tendresse de l’amante, tandis que Chris Carr impose la domination de Levi, l’époux qui, fragilisé par la sécession conjugale de Leah, se détournera d’elle à la suite de la famille religieuse que condensent les interventions du rabbin Miguel Pedroza ou de la mère, confiées à Heather Jones. Dans une veine engagée qui sollicite les sentiments, Uncovered illustre une appréciable tentative de défendre la puissance du genre opératique dans des formats qui renouent avec l’économie du théâtre.

Uncovered, opéra de l’émancipation

Retour le lendemain dans l’épicentre des arts du spectacles de la Grosse Pomme, au Lincoln Center, où le New York Philharmonic a retrouvé sa maison, le David Geffen Hall, avec un auditorium rénové – et rebaptisé pour l’occasion, le Wu Tsai Theater. Les défauts acoustiques de l’Avery Fisher Hall, corrigés lors des précédentes campagnes de rénovation, semblent désormais, pour l’essentiel, des souvenirs historiques, et les débuts du chef Hannu Lintu à la tête de la phalange new-yorkaise témoignent d’une meilleure définition acoustique, laquelle tire également parti du travail de l’actuel directeur musical, Jaap van Sweden, depuis 2018, tant en termes de répertoire que de sonorité, passablement massive sous l’ère Alan Gilbert. La Symphonie pour instruments à vents de Stravinski en ouverture du 16 810 ème concert du New York Philharmonic offre un chatoiement de couleurs et de rythmes souple et aéré qui teinte cet hommage à Debussy par l’inimitable manière du compositeur russe, restituée avec une appréciable lisibilité. Réunissant Sergei Babayan et l’un des talents les plus singuliers de la nouvelle génération, Daniil Trifonov, le Concerto pour deux pianos et percussions de Bartok, révision par l’auteur lui-même, alors qu’il venait d’émigrer aux Etats-Unis, de sa Sonate pour deux pianos et percussions écrite trois ans plus tôt en 1937, déploie une énergie qui, au-delà de la complexité formelle, retient l’oreille, et que les deux solistes ne se font pas faute de mettre en avant. Après l’entracte, Ciel d’hiver de Saariaho, second mouvement du cycle Orion arrangé dix ans après la création en 2003, séduit par l’alchimie évocatrice des timbres et des textures à laquelle on reconnaît la compositrice finlandaise, et qui s’articule ici autour d’un motif de trois notes. La page trouve dans la Symphonie n°7 de Sibelius un prolongement naturel. De cet opus en un seul mouvement, Hannu Lintu fait respirer la modernité décantée, irradiée par la lumière boréale, avec une sobriété jamais austère. Un beau programme en dehors des sentiers battus qui confirme l’évolution favorable du New York Philharmonic.

Par Gilles Charlassier

Uncovered, City Lyric Opera, New York Philharmonic, New York, novembre 2022.

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