A deux cents kilomètres de La Roque d’Anthéron, le Festival de Menton s’est imposé, depuis l’arrivée de Paul-Emmanuel Thomas, comme une étape incontournable du piano pendant l’été, en misant sur quelques grandes sensibilités artistiques d’aujourd’hui, et de demain, plutôt qu’un foisonnement plus ou moins exhaustif. Conçus avec le soutien de la célèbre firme japonaise, les deux concerts Jeunes Talents Yamaha au Palais de l’Europe présentent six des candidats parmi les plus prometteurs du prochain Concours Chopin de Varsovie, dans un programme entièrement consacré au maître franco-polonais.

Kwanwook Lee ouvre le second de ces deux rendez-vous avec Sonate n°2 en si bémol mineur op. 35. Le soliste sud-coréen s’appuie sur le contraste entre la tension dramatique des accords auguraux du premier mouvement et la section centrale plus chantante. Ce même équilibre se retrouve dans le Scherzo, avant une Marche funèbre tournée vers une intensité expressive à la sincérité cependant assez académique. Joué comme un précipité des thèmes de la partition réduits à l’état de traces, le perpetuum mobile finale trouve ici une appréciable lisibilité.

Andrej Wlercinski, un nom à suivre

Dès la Ballade n°4 en fa mineur op. 52, Andrej Wlercinski se distingue par son instinct du style et une indéniable maturité musicale. La maîtrise du rubato confère à la fluidité mélodique une souplesse et une élégance de salon romantique, dénuée cependant de toute afféterie. Dans ce mélange entre allant et retenue, ce sens du phrasé, jusque dans ses menues inflexions, nourrit la compréhension profonde de ce célèbre chef-d’œuvre. Une légère nonchalance peut parfois colorer le Scherzo n°4 en mi majeur op.54 qui lui est contemporain. Mais la volubilité soyeuse du toucher magnifie les modulations lumineuses de la pièce, qui forme dans le programme miniature du jeune soliste un diptyque complémentaire et un condensé de l’art de Chopin dont il possède déjà une science remarquable.

L’entrée d’Eva Strejcova est marquée par une assurance moindre. Épaulée par Michal Szymanowski, lauréat de nombreux concours, qui a préparé les candidats invités à Menton et assure la partie orchestrale transcrite pour un deuxième piano du Concerto n°2 en fa mineur op.21, la Tchèque noue un dialogue sans heurt avec son tuteur. Le lyrisme du Maestoso, plus évident dans le second thème, se confirme dans un Larghetto non dénué de chaleur. Le finale fusionne les interventions du soliste et du tutti dans une coda pleine de vitalité.

Une intégrale Ravel magistrale par Bertrand Chamayou

Le lendemain, Bertrand Chamayou reprend l’intégrale de musique pour piano solo de Ravel, un compositeur qui accompagne le soliste français depuis le début de sa carrière. Devant la blancheur crépusculaire baignant le Parvis de la Basilique Saint-Michel, la soirée s’ouvre sur un Prélude livré non sans une relative – et provisoire – prudence. Cette brève page fonctionne comme une antichambre au premier grand cycle du concert, Miroirs, qui esquisse les grands lignes d’une compréhension devenue instinctive de la pensée musicale ravélienne où fusionnent le timbre et le rythme. Apprivoisant progressivement l’acoustique, sinon les paramètres météorologiques d’un plein air balnéaire presque calibré pour le recueil, les textures arpégées des Noctuelles colorent naturellement les vols de ces papillons nocturnes. La palette évocatrice se déploie dans les Oiseaux tristes, avec une langueur parfois émaillée de coups d’ailes de tempo esquissant les errances dans le ciel. Une barque sur l’océan prolonge cette dimension picturale qui prend avec Alborada del gracioso une tonalité hispanisante et bouffonne par son staccato de guitare. C’est cette même recherche dans les effets rythmiques du piano qui restitue les balancements de La vallée des clochers, transformant les paysages à la Liszt en irisations pointillistes.

Après un Menuet en guise d’intermède, le parcours dans les premières années du corpus ravélien se poursuit avec la Sonatine, qui compte également un Mouvement de menuet archaïsant au milieu d’une introduction notée Mesuré et un finale Animé. Bertrand Chamayou fait ressortir, avec une parfaite assimilation des indications de la partition, combien la modulation des climats successifs repose sur les variations de pulsation, dans une toile sonore liquide et rayonnante. Une troisième miniature scande cette première partie de soirée, A la manière de Borodine, qui réinvente les tournures mélodiques et harmoniques du maître russe. Le monument qu’est Gaspard de la nuit confirme une science naturelle du caractère, dans les contrastes et les complémentarités entre les épisodes du triptyque inspiré par Alyosius Bertrand. Depuis les frémissements aquatiques d’Ondine jusqu’à la féerie dramatique de Scarbo, en passant par les hallucinations du Gibet, les expérimentations virtuoses sont autant de ressources expressives, et la présente lecture souligne l’indivisibilité de la poésie et des ressources techniques de clavier – un trait distinctif de Ravel, et de sa modernité derrière une apparence moins révolutionnaire que d’autres musiciens de son époque.

L’alchimie du timbre et du rythme

Au retour de l’entracte qui a laissé la nuit envelopper l’arrière-plan panoramique du parvis, les Valses nobles et sentimentales illustrent à merveille cette alchimie entre l’ancien et l’original. Les huit numéros s’enchaînent comme un kaléidoscope des différents visages de la valse, de la contenance aristocratique à l’encanaillement du piano-bar, en passant par les pudeurs de l’approche amoureuse. L’axiome selon lequel le rythme ravélien est sa poétique même est ici porté à sa quintessence, mais explicitée sans aucun didactisme. La maîtrise et la sincérité du jeu suffisent.

Ravel a non seulement pratiqué le pastiche, mais il en a fait miroiter toutes les diverses facettes, entre le souvenir des thèmes humoristiques de l’auteur d’España dans A la manière de Chabrier et la construction à la mode du classicisme viennois dans le Menuet sur le nom de Haydn. Après les bouffonneries de la Sérénade grotesque, écho d’Alborada del gracioso, et les éblouissements irrésistibles de Jeux d’eau, le Menuet antique illustre encore cette fascination pour les formes anciennes qui trouve son apogée dans la Pavane pour une infante défunte, d’une dignité sous laquelle affleure délicatement l’émotion, et plus encore dans le Tombeau de Couperin. La suite se fait un véritable feu d’artifice où l’intelligence musicale s’épanouit dans une sensualité idiomatique de Ravel. Le Prélude prépare une Fugue jouant habilement avec les codes du genre, avant une Forlane amidonnée avec gourmandise et un Rigaudon non moins savoureux. Un Menuet offre une courte pause avant l’ivresse d’une Toccata à la pyrotechnie jamais vaine, qui referme une soirée qui peut d’ores et déjà s’inscrire dans la légende du Festival de Menton.

Par Gilles Charlassier

Festival de Menton, du 22 juillet au 8 août 2025, concerts des 30 et 31 juillet 2025

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La carte postale a beau être la même d’année en année, on ne se lasse pas de la magie du Parvis de la Basilique Saint-Michel, ballotté par la chaleur méditerranéenne, la rumeur des vagues et celle de la ville en contrebas. Depuis qu’il a pris la tête d’un festival qui célèbre cette année sa 75ème édition, Paul-Emmanuel Thomas n’a eu de cesse de défendre à la fois une belle diversité des répertoires et un équilibre entre les talents d’ici et ceux d’ailleurs. Ainsi a-t-il choisi d’ouvrir cette programmation anniversaire avec l’Orchestre Philharmonique de Nice, dont Lionel Bringuier, l’un des grands talents d’aujourd’hui, natif de la Côte d’Azur, vient de prendre la direction.

Si ce n’est pas la première fois que le parvis accueille une formation symphonique, l’effectif présent pour ce concert inaugural exige une optimisation maximale du plateau, en particulier pour le Concerto en sol de Ravel, avec une harpe sur l’avant-scène, après une Ouverture des Noces de Figaro de Mozart privilégiant avec une sagesse perceptible l’homogénéité acoustique. Le premier mouvement du Ravel contraste avec une mosaïque de couleurs dont la dispersion est ça et là accrochée par quelques cuivres coruscants. L’interprétation trouve son point d’équilibre dans l’Adagio assai, avec une fluidité onirique portée par le phrasé d’Alexandre Tharaud. Le sens du coulé dans l’articulation dont fait preuve le soliste accompagne la longueur de la ligne de chant jusqu’aux limites de l’horizon, sur les tendres chatoiements du tamis orchestal, avant la vitalité alerte d’un finale où la virtuosité se conjugue à un tempo jubilatoire. L’ivresse est encore au rendez-vous dans le bis que livre le piano français, paraphrase allant de Ravel jusqu’à Piaf et le music-hall français avec un enthousiasme contagieux. Après l’entracte, la Symphonie n°4 en la majeur opus 90 dite Italienne de Mendelssohn ne saurait être plus opportune à deux pas de la frontière avec le voisin transalpin. Si l’énergie de l’Allegro vivace initial et la souplesse de l’Andante ne manquent pas d’être sensibles, la maîtrise dans l’éclairage mobile des pupitres s’épanouit dans la souplesse du Moderato et le Saltarello finale, où est habilement relevée l’évidente synthèse entre la science du contrepoint et l’irrésistible sens mélodique et rythmique, que le naturel du génie mendelssohnnien peut faire oublier.

Talent précoce

Le lendemain, le premier rendez-vous au Palais de l’Europe met à l’honneur l’un des talents les plus précoces de la nouvelle génération du piano. Sous un apprêt qui lui donne l’apparence d’avoir un peu plus que ses 15 ans, Arielle Beck affirme une étonnante maturité dans un programme placé sous le signe d’un Romantisme qu’elle ne galvaude aucunement. Des Trois Romances opus 28 de Schumann se distingue la deuxième, plus intérieure, livrée aux confins d’une discrète évancescence, avant la dernière, à la passion aux allures de chevauchée. Une même alternance d’émotions s’affirme dans les trois Impromptus de Chopin, entre le n°1 en la bémol majeur opus 29, quasi aérien, le n°3 en sol bémol majeur, d’une douce mélancolie que vient interrompre une section centrale plus nerveuse, et la sève mélodique du n°2 en fa dièse majeur opus 36. L’enchaînement avec les deux Impromptus à la mazur opus 7, qui témoigne de l’influence du maître franco-polonais sur le jeune Scriabine, souligne l’évidence des affinités entre les deux compositeurs. Morceau de bravoure, la Barcarolle en fa dièse majeur opus 60 de Chopin est restituée avec son léger balancement caractéristique, sans oublier l’intelligence de la construction formelle, avec un jeu qui laisse deviner des moyens techniques certains. Après le délicat perlé de la Barcarolle n°4 en sol bémol majeur opus 42 de Fauré, la concise Sonate n°4 en fa dièse majeur opus 30 de Scriabine condense des interrogations et une impatiences quasi métaphysiques pour refermer un récital d’une belle cohérence, prolongé par une Etude de Chopin en bis.

Couleurs baroques

Le troisième jour prend les couleurs du Baroque, un répertoire que Paul-Emmanuel Thomas met en avant, hors des sentiers estampillés par l’orthodoxie. Après avoir emporté les suffrages de ceux qui avaient fait confiance au directeur du festival pour découvrir Lucie Horsch, l’été dernier dans un programme éclectique, la jeune flûtiste néerlandaise revient sur le Parvis de la Basilique Saint-Michel aux côtés de Bertrand Cuiller au clavecin, accompagné par quelques musiciens de son ensemble Le Caravansérail, dans un florilège de sonates et concertos italiens. Après les évocations semi-hallucinées de La Notte, l’un des plus célèbres opus de musique descriptive de Vivaldi, la soliste fait la démonstration de son instinct communicatif avec l’auditoire, par la première de ses interventions qui jalonneront la soirée avec lesquelles elle introduit les œuvres qu’elle joue : la mosaïque musicale devient ainsi une invitation au voyage. Les deux sonates de Castello qui suivent reviennent un siècle en arrière, dans les dernières décennies du madrigal, avec son style reconnaissable de la déclamation chantée des débuts de l’opéra. L’arrangement pour flûte seule que Rousseau avait réalisé de l’Allegro liminaire du Printemps du Prêtre roux met d’abord en lumière la volubilité de l’interprète dans cette condensation sur un instrument monodique de la dynamique concertante. Dans la sonate La Follia du même Vivaldi, les variations contrastées de ce thème populaire à l’âge baroque sont caractérisées avec une saveur inimitable, avant une rareté de Fiorenza. Après l’entracte, les effets théâtraux Concerto da camera en fa majeur RV 100 de Vivaldi précèdent un solo de van Eyck, Boffons, à l’esprit non moins marqué par les planches. Après une brève Ciaccona de Merula et le Concerto n°19 en mi mineur de Mancini, le Concerto en sol majeur de Leo conclut la soirée à la manière d’un feu d’artifice, prolongé par une irrésistible danse tradionnelle serbe. A Menton, les muses sont inspirées par la magie des lieux.

Par Gilles Charlassier

Festival de Menton, concerts des 29, 30 et 31 juillet 2024.

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En réinventant depuis dix ans l’intuition fondatrice d’André Böröcz qui fit du Festival de Menton, et plus particulièrement du Parvis de la Basilique Saint-Michel, un rendez-vous incontournable de l’été musical, Paul-Emmanuel Thomas ne s’est pas contenté d’inviter des noms consacrés. Conjuguant la légende au temps présent, sa programmation porte une attention particulière à la nouvelle génération. Les deux soirées des 2 et 3 août de l’édition 2023 en témoignent.

Avec le partenariat de Yamaha qui les accompagnent dans le début de leur carrière, trois jeunes solistes se succèdent au Palais de l’Europe pour une Nuit du piano le 2 août. Le premier soliste, britannique, Callum Mclachlan ouvre avec l’un de ses compositeurs de prédilection, qui lui a valu une certaine reconnaissance dans plusieurs concours. Vaste kaléidoscope de variations qui explore les possibilités du clavier, les Etudes symphoniques de Schumann résonnent ici avec un sens de la caractérisation investie – traduit de manière parfois un peu ostensible sur le visage de l’interprète. Du moins la maîtrise de la partition accompagne-t-elle la lisibilité de la construction sans se laisser confondre par le sentiment. L’Elégie n°4 de la transcription de la suite orchestrale tirée de la musique de scène pour Turandot de Busoni cisèle des textures évocatrices qui s’affirment ici d’abord pianistiques, plus idiosyncrasiques sans doute dans le Prélude et fugue en ré mineur de Chostakovitch. Avant deux pièces de son compatriote Szymanowski, les quatre Etudes op. 4 et la Fantaisie en do majeur op. 14, livrées avec un lyrisme sobre et fluide d’une justesse indéniable, le Polonais Mateusz Krzyzowski s’aventure dans un prélude de Debussy, La puerta del vino, à la pulsation alourdie qui appesantit inutilement l’imagination hispanique.

Après l’entracte, la Lituanienne Kamile Zaveckaite affronte les Bunte Blätter op. 99, dont elle restitue la diversité des climats, sans perdre la cohérence du vagabondage musical de Schumann. L’apprêt de son jeu, auquel fait écho une louable intention de présenter les œuvres auprès du public, prive peut-être la Sonatine de Ravel de toute la souplesse naturelle des couleurs. Le pittoresque du premier livre d’Iberia d’Albeniz ne fait pas défaut, soigné comme une carte postale réunissant Evocacion, El Puerto, et les chatoiements de El Corpus Christi en Sevilla.

Le prodige Alexandre Malofeev

Le rendez-vous du lendemain sur le Parvis de la Basilique Saint-Michel permet de mesurer la différence de maturité entre ces pousses prometteuses et le prodige Alexandre Malofeev, pourtant de la même génération. Baignée dans les rumeurs des embruns et de la nuit, l’adaptation pianistique réalisée par Samuel Feinberg du Concerto pour orgue en la mineur BWV 593 de Bach, d’après Vivaldi, dévoile les effets de registration repris par la réécriture du Cantor de Leipzig sans céder aux facilités rhétoriques : l’Adagio se distingue par une économie que le finale ne démentira pas, avec une certaine dans le tempo. Le Prélude et Nocturne pour la main gauche op. 9 de Scriabine constitue un autre morceau d’illusionnisme musical – l’habileté de l’écriture fait croire à la présence des dix doigts – dont le chant ondoyant est mis en valeur par un toucher calibré que l’on retrouve dans la Sonate n°2 en si bémol mineur op. 35 de Chopin. L’équilibre de la armature rythmique, tant dans le Grave augural comme dans le Scherzo ne perd jamais de vue la ligne mélodique, et témoigne de l’assimilation des tournures du compositeur romantique, dont la veine, sous les doigts du pianiste russe, se fait plus singulière dans la Marche funèbre et le Presto conclusif, conçu comme un épilogue dans le prolongement de la procession onirique. Livrées avec une évanescence feutrée, ces étranges dernières mesures n’appuient pas le chaos atonal que certains veulent y souligner, et s’entendent davantage comme une errance modale où s’évanouissent les fantômes du cortège funéraire.

Cet intelligence du discours se confirme dans la Sonate pour piano n°4 en si mineur op. 56 de Weinberg, synthèse originale entre l’immédiateté expressive d’une carrure dansante et des dissonances plus modernes, assez rarement à l’affiche des concerts. Dans une lecture qui semble couler instinctivement, les quatre mouvements de la pièce gagnent leur droit à une inscription au répertoire enrichissant la musicographie de l’après-guerre. La paraphrase que Liszt a réalisée de l’Ouverture de Tannhäuser referme la soirée sur des accents orchestraux et une réinvention de l’ivresse wagnérienne aussi irrésistible que la transcription du Pas de deux de Casse-noisette par Mikhail Pletnev donné en troisième bis.

D’un clavier l’autre

Mais le clavier du piano n’est pas le seul mis à l’honneur au Festival de Menton. Parmi les concerts de 18 heures au Palais de l’Europe, celui de l’accordéoniste Théo Ould, le 2 août, se distingue par le talent remarquable d’un jeune musicien capable d’emmener dans un voyage, où les escales contemporaines et les transcriptions de classiques se fondent en une alchimie de sonorités inouïes avec une redécouverte insolite de motifs plus familiers. S’appuyant sur des mimétismes percussifs pour faire résonner une mosaïque de sensations ludiques, la liminaire Lanterna magica de Régis Campo condense une exploration des ressources de l’accordéon qui ne boude pas le plaisir. La reconnaissance, dans des couleurs renouvelées, de la Toccata de la Partita n°6 en mi mineur BWV 830 de Bach y participe évidemment, et plus encore de la Chaconne en ré mineur revue par Busoni, avec une arche tendue par une admirable science du phrasé et de l’enchaînement des transformations du thème. Les Gavottes et six doubles de Rameau constituent une autre carte de visite de la musicalité de l’interprète, à la fois naturelle et iconoclaste. Après la Romance en fa mineur op.5 de Tchaikovski, peut-être moins confite à l’accordéon, les trois pièces de l’Argentin Tomas Gubitsch – Tango tangent ; Au bord du Nahuel Huapi ; A ce train-là – tissent un dialogue suggestif avec la bande enregistrée. Les deux pages conclusives de Régis Campo, Ad astra per aspera et Pagamania, brodant sur le Caprice n°24 de Paganini, confirment que l’expérimentation et la liberté improvisatrice peuvent célébrer leurs noces dans la création contemporaine, et que le public n’a pas à avoir peur d’entrer dans la danse. Ce n’est pas le bis de Piazzolla qui le contredira. Oecuménisme et excellence se marient heureusement au Festival de Menton.

Par Gilles Charlassier

Festival de Menton, concerts des 2 et 3 août 2023

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Avec le Parvis de la Basilique Saint-Michel, Menton possède l’un des écrins les plus magiques pour la musique, surtout depuis que Paul-Emmanuel Thomas a rallumé, il y a une dizaine d’années, le flambeau de la légende initiée par André Böröcz. Si la boulimie pianistique s’accommode au chant des cigales de La Roque d’Anthéron, les gourmets du clavier préfèreront peut-être les sortilèges de la rumeur marine, et le premier week-end d’août de l’édition 2022 du Festival de musique de Menton en offre un condensé remarquable.

Les rendez-vous de la fin d’après-midi au Palais de l’Europe – le Musée Cocteau collection Séverin Wunderman qui les accueillait traditionnellement, n’a pu rouvrir depuis les inondations survenues en octobre 2018 – donnent la parole aux talents de la nouvelle génération. Premier lauréat désigné par la Fondation Gautier Capuçon créée au début de l’année, après avoir accompagné la tournée du violoncelliste « Un été en France » en 2021, Kim Bernard illustre l’éclosion d’un jeune soliste déjà récompensé par plusieurs concours. S’ouvrant sur la Ballade n°4 de Chopin, son récital témoigne d’une souplesse élégante qui esquisse un affranchissement de la maîtrise lisse sur laquelle s’appuie un jeu d’une évidente précision. Le calibrage vivant de la pulsation chopinienne, attentive à éviter tout maniérisme, se confirme dans le charme hynotique de la Berceuse op. 57 et le balancement de la Barcarolle op.60. Les pages tirées du Livre I des Images de Debussy ne dément pas l’adéquation de l’articulation avec le caractère de la pièce, entre les scintillants Reflets dans l’eau, la retenue de l’Hommage à Rameau ou l’ivresse digitale de Mouvement, avant la légèreté chaloupée de L’isle joyeuse. Le Tombeau de Couperin de Ravel prolonge cette palette soignée, depuis la fluidité du Prélude, jusqu’à la virevoltante Toccata conclusive, en passant par l’apparence de simplicité naturelle de la Fugue, la nonchalance de la Forlane, l’énergique Rigaudon et un Menuet discrètement suranné. Le bis jazz My foolish heart de Bill Evans ne contredit pas un dessin pianistique qui laisse affleurer d’autres ressources que sa sage justesse.

Pierre-Laurent Aimard et les affinités électives de la fantaisie

Au Parvis de la Basilique Saint-Michel sont dévolus les grandes soirées, et celle que nous propose Pierre-Laurent Aimard en fait partie. Ce n’est pourtant pas à la seule aune de la sonorité instrumentale, par laquelle se distinguent encore quelques rares démiurges, ni à celle de la texture sentimentale, que se reconnaît l’inimitable défenseur du répertoire contemporain auquel Ligeti avait confié la gravure de l’ensemble de son œuvre pour piano – la découverte des Etudes à la fin de mon adolescence reste une révélation fondatrice. Pierre-Laurent Aimard est d’abord un extraordinaire pédagogue, de ceux qui grandissent ceux qui les écoutent et les côtoient. Son programme, conçu comme un parcours dans l’histoire de la fantaisie en témoigne, déclinant les métamorphoses de la forme et tissant des échos entre les œuvres. Organiste hollandais au carrefour de la Renaissance et baroque, et précurseur de la musique pour clavier, Sweelinck offre avec la Fantaisie chromatique une surprenante alchimie entre la sobriété presque austère du thème et la richesse de l’invention dans ses transformations, avec des développements bien au-delà des cadres harmoniques attendus.

Si la question de l’adéquation instrumentale se pose, en réalité, pour n’importe quelle oeuvre, le contexte d’écriture n’étant jamais isolé des ressources des interprètes de l’époque, elle prend évidemment une acuité particulière quand on passe des cordes pincées du clavecin à celles, frappées, du piano. Plus que l’impossible transposition de sonorité, c’est le caractère et la lisibilité de la pièce qui se révèlent déterminantes, et qui sont ici admirablement rendues. Ces qualités se retrouvent dans le trois partitions suivantes : s’appuyant sur les ressources du Yamaha sur la scène, la couleur et le phrasé restituent la quintessence Sturm und Drang de la Fantaisie en do majeur de Carl Philipp Emanuel Bach, faisant glisser le discours vers une improvisation pétrie de contrastes et de sentiments, soulignée par une clarté de l’articulation qui se fait plus feutrée dans l’intimisme de la Fantaisie en do mineur de Mozart, équilibrant exploration et concentration formelle, avant l’élan de la Fantaisie op. 77 de Beethoven, dont la vigueur modulatoire non exempte de brillant se conclut sur une coda magistrale – et idiosyncrasique.

Après l’entracte, le soliste déploie les chatoiements pianistiques inspirés à Liszt par la Villa d’Este, dans la Troisième année des Années de pèlerinage. Les deux numéros Aux cyprès de la Villa d’Este sculptent des ombres et des espaces, avant les irisations des Jeux d’eaux. La Vallée d’Obermann, tirée de la Première Année, referme le récital sur un balancement mélancolique couronné par une magnifique péroraison à l’influence beethovénienne. C’est le génie du programme que de révéler les échos entre la conclusion de chacune des deux parties d’une soirée qui renouvelle notre écoute des œuvres, approche que ne démentira pas le bis réunissant trois instantanés des Jatekok de Kurtag, dans un cisèlement qui condense toute leur sève évocatrice, idéale pour faire réviser les préjugés sur la musique contemporaine.

Duo de jeunes prodiges

Le lendemain, sur le même Parvis, les mélomanes ont rendez-vous avec deux prodiges de la nouvelle génération. Le pianiste français Alexandre Kantorow et le violoniste suédois Daniel Lozakovich défendent trois figures majeures du siècle romantique. Avec la Sonate en la majeur de Franck, c’est le raffinement de l’école française que le duo met en valeur. La délicatesse du chant de l’archet, tel un évanescent voile mélodique, magnifie les premières mesures de l’Allegretto initial, qui contraste avec la robustesse de la réponse pianistique. Les voix des deux solistes se mêlent dans la nervosité de l’Allegro, avant un Recitativo-Fantasia à l’onirisme porté d’abord par la volubilité violonistique, avant un finale qui réunit sans les rejoindre les deux polarités expressives de l’interprétation. La symbiose des deux tempéraments se révèle plus évidente dans la Sonate n°1 op. 105 de Schumann, enchaînée après la Sonate n°2 op. 100 de Brahms et ses trois mouvements à l’inspiration voisine du lied. La densité dramatique du clavier emmène le lyrisme nourri du violon, dont le jeu cherche sans doute encore un peu dans le medium le prolongement de la personnalité qui s’affirme dans la légereté de la ligne et la partie supérieure de la tessiture. En bis, le Clair de lune de Debussy s’impose dans cette fenêtre mentonnaise enchanteresse, bercée par une ultime Valse de Tchaïkovski, avant la chaleur des applaudissements et du doux roulis des vagues. La magie de la musique fait escale à Menton.

Par Gilles Charlassier

Festival de Menton, concerts des 5 et 6 août 2022.

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Depuis qu’il en a repris les rênes en 2013, Paul-Emmanuel Thomas a redonné au Festival de Menton la place qui lui revenait dans la cartographie des rendez-vous majeurs de l’été. L’édition du soixante-dixième anniversaire ne démentira pas cet amour de l’excellence qui ne regarde pas vers le passé, avec une façade de la Basilique Saint-Michel désormais ravalée. De fait, la programmation de ce cru 2019 ne cultive aucunement la nostalgie et ne se réfugie pas dans les gloires patinées – à l’inverse des introductions au micro à bedaine et cheveu blancs, reliquat d’une époque révolue. Si les concerts sur le Parvis mettent à l’affiche quelques uns des meilleurs solistes et formations d’aujourd’hui, esquissant parfois des fidélités d’une année sur l’autre, la renommée des invités ne se substitue jamais à l’exigence musicale. En donnant un coup de projecteur, deux soirs consécutifs, à un genre réputé parfois difficile, le quatuor à cordes, Paul-Emmanuel Thomas n’hésite pas à bousculer certains réflexes du public, pour renouveler son paysage musical, sans renier les racines du grand répertoire.

Alchimies musicales avec Bertrand Chamayou et le Quatuor Casals

La première des deux soirées signe les retrouvailles des festivaliers avec Bertrand Chamayou, qui avait livré l’an dernier un récital Lizst, admirable de sensibilité et d’intelligence. En ce 1er août, le pianiste français vient avec le Quatuor Casals, pour un programme intitulé «Carte blanche » – Haydn, Schumann, Franck, des classiques, mais qui ici ne respirent aucunement la routine. Dans le Quatuor opus 33 n°2 augural, les cordes catalanes font valoir un archet frissonnant, une sonorité souple et aérée, qui ne néglige pas un humour spirituel, à rebours des clichés du placide « Papa Haydn ». L’Allegro moderato dévoile, d’emblée, cette agilité musicale qui innerve un Scherzo où les pupitres dialoguent avec une complicité assurant une vitalité à la cohérence de l’ensemble. Le lyrisme délicat de l’Adagio affirme une élégance qui évite toute raideur amidonnée, avant la virtuosité virevoltante du finale, d’une exquise légèreté.

Le Carnaval opus 9 de Schumann donne ensuite la parole au piano de Bertrand Chamayou. Il y démontre une évidente maîtrise du discours, soignée et naturelle, attentive à la fluidité du cycle autant qu’à la caractérisation de chacun des épisodes. La solennité du Préambule, avec des manières d’ouverture, sert comme de page de garde d’un album qui se feuillette avec un doigté sur lequel pointe un sourire coloré de tendresse. Les demi-teintes de la rêverie gauche de Pierrot voisinent avec l’allant joueur d’Arlequin qui se prolonge avec la carrure de la Valse noble, avant un autre double portrait d’opposés, la retenue intime d’Eusebius et la vitalité plus solaire de Florestan. Les minauderies exquisement cabotines de la Coquette confirment le calibrage subtil de la ligne et de la richesse harmonique que l’on retrouve dans les numéros suivants – Réplique, Papillons, Lettres dansantes –, quand Chiarina se fait une esquisse voilée de sentiment de la Clara aimée. Sans jamais appuyer le trait, le pianiste français modèle une condensation théâtrale et narrative qui n’oublie jamais les échos et l’instinct de la forme, des amples arpèges de Chopin aux traits échevelés de Paganini, en passant par le visage d’Estrella, Reconnaissance, les chamailleries de Pantalon et Colombine et une Valse allemande. L’ultime séquence méditative – Aveu, Promenade et Pause – conduit au pictural final de la Marche des Davidbündler contre les Philistins.

Telle une imitation de construction dialectique de la soirée, après la « thèse » du quatuor et l’ « antithèse » du piano, la « synthèse » réunit les deux avec le Quintette en fa mineur de Franck. A contre-courant des interprétations qui soulignent la densité de la pâte jusqu’à la rendre pesante, les Casals privilégient un phrasé ductile. La tension dramatique ne se confond pas avec l’épaisseur d’une matière sonore qui préserve ici un dialogue décanté avec le soliste, sensible dès le Molto moderato augural. Le Lento con molto sentimento développe un chant habité, qui n’oublie pas une limpidité de l’expression, généralement étiquetée française, avant un finale vigoureux où la puissance ne prend jamais le pas sur une lisibilité frémissante. En bis, le Scherzo du Quintette de Schumann se départ avec intelligence du stéréotype germanique, sans renier le langage de la pièce.

Les Ebène ou l’extension du grand répertoire

Le lendemain, avec le Quatuor Ebène, c’est une autre excellence de la musique de chambre qui investit le Parvis de la Basilique Saint-Michel, mettant en regard deux piliers du Romantisme allemand avec ce qu’il convient désormais de considérer comme un classique du répertoire contemporain, le Quatuor « Ainsi la nuit » de Dutilleux. Si les Ebène cultivent une homogénéité du son et de la texture d’ensemble, avec une précision qui a forgé, à juste titre, leur réputation, les solistes français ne négligent pas pour autant leur quatre singularités musicales fusionnées mais nullement annihilées dans l’alchimie de la voix polyphonique. A rebours des lectures qui en accusent les aspérités des affects, ce sont les qualités plastiques du Premier Quatuor en do mineur de Brahms qui sont mises en avant, sans pour autant céder à la froideur. La rondeur raffinée des pupitres fait vibrer la pudique intériorité de l’énergie de l’Allegro, laquelle ne se dément pas dans une Romanze au moelleux d’une diététique nourrissante. Entre tamis soyeux et pizzicati, le scherzo, Allegro molto moderato, fait preuve d’un sens des climats, avant un Allegro alla breve, dont la pulsation généreuse innerve un polissage à l’affût des moindres ramifications de la mélodie.

Cette écoute avide des ressources de la lutherie fait toute la saveur inimitable de l’opus de Dutilleux, et cette magie des timbres trouve dans les Ebène un passeur évident. Les sept sections de l’oeuvre – Nocturne, Miroir d’espace, Litanies, Litanies II, Nocturne II, Constellations et Temps suspendu – se déclinent comme un continuum chatoyant, rendu ici avec une admirable intelligibilité, sans céder au didactisme. L’auditeur est littéralement enveloppé par ce flux poétique aux confins du silence et de la sensualité. Tout en rendant justice à une pièce où chaque note se révèle scrupuleusement pensée, le quatuor français évite toute austérité corsetée et démontre, sans ambages, qu’elle a toute sa place au cœur du grand répertoire, celui où l’on inscrit, par exemple, Beethoven.

Le Septième, en fa majeur, l’un des trois dédiés au prince Razumovsky, confirme les qualités idiomatiques des Ebène, gantant l’impulsivité romantique dans un velours sensible à l’architecture de l’ouvrage, qu’illustre d’emblée l’Allegro initial, quand l’Allegretto vivace e sempre scherzando équilibre une écriture contrapuntique serrée et une versatilité expressive saisissante. L’Adagio molto e mesto se déploie à la manière d’une arche lyrique magnifiée par la pureté d’une patine vivante où la profondeur du fond rejoint l’accomplissement de la forme. L’élan chamarré du finale ne dira pas le contraire. Avec un bis de Miles Davis, les Ebène défendent une excellence qui dépasse les clivages entre les genres.

Patricia Petibon à la croisée des genres

Si le quatuor à cordes est aussi au menu de deux après-midi, avec les Allegri, donnant le 1er août l’Opus 54 n°2 de Haydn et le Quatorzième de Beethoven, avec une efficacité d’une indéniable honnêteté, cette croisée entre jazz et classique, sinon au-delà, résume le programme que Patricia Petibon a conçu comme un hommage à son époux disparu, Didier Lockwook, pour le Parvis le 31 juillet. Au gré de créations, transcriptions et autres réécritures, aux côtés du piano de Dimitri Naïditch et du violon jazz de Fiona Monbet, Alchimia enjambe les répertoires, sans sacrifier l’exigence artistique. Dès la psalmodie de Mélisande, « Mes longs cheveux descendent jusqu’au seuil de la tour », au début du troisième acte de Pelléas et Mélisande de Debussy, revisitée avec des vagues électroacoustiques, et la complicité de la statue de l’Archange Saint-Michel, évoqué par le texte, c’est à une traversée onirique d’une heure et demie que l’on est invité, parsemée de clins d’oeil, à l’exemple de la comptine A la claire fontaine, de l’adaptation de Padam, de Michelle des Beatles ou des rythmes de Mission impossible, pour « Patricia Petibond », et joue d’une scénographie ludique où la cantatrice se met à nu, sans impudeur – un perroquet, peluche ventriloque, se posera un moment sur son épaule. Si quelques numéros d’opéra célèbrent ne manquent pas à l’appel, tel l’air de Lauretta, « O mio babbino caro », dans Gianni Schicchi de Puccini, ou celui de Barbarina, « L’ho perduta », des Noces de Figaro de Mozart, c’est avec une faluche et un féerique Someday my prince will come, arrangé par Didier Lockwook, puis un tambourin aux motifs cinétiques rappelant Moholo-Nagy pour la Reine de cœur de Poulenc que la soliste prend congé de son public, non sans lui avoir offert deux émouvants bis, Grenouille de Didier Lockwood, et Oh my love de John Lennon. A Menton, la poésie tutoie les étoiles, sous le signe de l’authenticité et de l’excellence, l’identité du festival à laquelle Paul-Emmanuel Thomas a redonné un souffle nouveau.

 Par Gilles Charlassier

Festival de Menton, juillet-août 2019

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