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The post Newsletter du 17 septembre 2018 first appeared on Jim le Pariser.

Voilà donc 2018 qui commence, avec déjà sept ans de vie pour votre site Jim le Pariser et notre newsletter chaque samedi. Vous êtes aujourd’hui plus de 50 000 abonnés- pas tous payants malheureusement- à lire notre sélection de la semaine sur notre trentaine d’articles publiés chaque semaine sur www.jimlepariser.fr.  qui reçoit près de 50 000 visiteurs uniques par jour.

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Laetitia Monsacré

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The post Newsletter du 02 janvier 2016 first appeared on Jim le Pariser.

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The post Newsletter du 19 décembre 2015 first appeared on Jim le Pariser.

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The post Newsletter du 12 décembre 2015 first appeared on Jim le Pariser.

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The post Newsletter du 05 décembre 2015 first appeared on Jim le Pariser.

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The post Newsletter du 1er mai 2015 first appeared on Jim le Pariser.

Mommy, Trahisons, Le royaume. Un film, une pièce, un livre. Le point commun: ils font l’événement de cette rentrée culturelle, du moins chez ce que l’on nomme les « milieux autorisés ». Parce que pour ce qui est du public en général, pardon. « S’il ne faut pas donner au public ce qu’il aime mais ce qu’il pourrait aimer » dixit Jacques Chancel, il n’est pas évident que ces trois exemples ne confirment le fossé qui existe entre critiques et public. Le public, celui qui a bossé toute la semaine et ouvre le plus souvent un livre pour se détendre, va voir un film pour s’évader ou une pièce pour vibrer à l’unisson. Dans le cas du film de Xavier Nolan, qui a raté de peu la Palme d’or de Cannes, vous découvrirez en format carré, si vous pouvez supporter la violence d’un fils qui tabasse sa mère après qu’elle lui ait demandé s’il a été finit au « pipi », toute la grossièreté qu’offre le québécois; la pièce de Pinter donnée pour la première fois à la Comédie Française est, elle, à l’image des fauteuils du Vieux Colombier- inconfortable et pas vraiment inoubliable même si elle est servie par une distribution des plus « bankable »-Denis Podalydès et Laurent Stocker. Quant au livre d’Emmanuel Carrère, qui n’a pas été retenu à la stupéfaction générale pour le Goncourt, pas sûr que les 600 pages encensées par les journalistes ne semblent quelque peu austères aux potentiels lecteurs ultra sollicités en cette rentrée littéraire. Il faudra pourtant l’avoir « lu » sous cette pression qu’est le parisianisme et cette presse endogène qui finit par en être épuisante. Et de moins en moins prescriptrice en ces temps où un sou est un sou pour de plus en plus de gens- à l’exception de ceux que l’on croise dans les palaces parisiens nouvellement ouverts- le Peninsula, ou réouverts comme le Plaza Athénée, au luxe de plus en plus hyperbolique. Une solution: faire comme Niki de Saint Phalle: prendre une carabine et tirer. Droit devant.

LM

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Nouvelle rentrée, nouveau rendez-vous. La newsletter de Jim, ce sera désormais le vendredi. Toujours gratuite-ça ne sera pas éternel cela dit- et de plus en plus lue, merci donc à vous tous avec cet été, le cap du 50 000 ème abonné franchi!

Bon jeudi sans nous…

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Demain, les enfants retourneront à l’école, et la semaine prochaine, vous aurez droit à une newsletter spéciale Irlande. Le scorpion a paraît-il une solide faculté à se régénérer…

La rédaction

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Fondée en 1964 par la grande chorégraphe Martha Graham avec le soutien de la baronne Batsheva de Rothschild dont elle tient le nom, la Batsheva Danse company, avec à sa tête depuis 1990, le chorégraphe  Ohad Naharin, est à Paris. Et ce soir de première au théâtre Chaillot, autant dire qu’il y avait de l’électricité dans la salle aussi bien que sur la scène. Après avoir ouvert au moins trois fois son sac à des vigiles postés à tous les postes – l’ambassadeur d’Israël étant présent dans la salle- c’est par une énorme déflagration que le spectacle de la compagnie nationale israélienne débuta, avec des danseurs à la limite pour certains de la contorsion, tous semblant plongés dans une sorte d’urgence. Puissance et vulnérabilité des corps, Sadeh 21 se déroule pendant une heure quinze avec des moments de douceur, d’effroi ou de chaos, parfaitement exécutés par la vingtaine de danseurs aux corpulences très différentes mais avec une présence scénique absolument envoûtante. On est ainsi vite hypnotisé par ces solos ou tableaux de groupe dégageant une énergie quasi mystique jusqu’au final absolument magnifique de ces corps qui plongent dans le vide. Sans retour ni salut possible.

AW

Saleh 21 au Théâtre de Chaillot jusqu’au 28 avril 2013

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Tapis rouge sur le perron de l’Opéra Garnier ce 15 avril, en plus de l’incontournable et odoriférante abondance de pivoines, camélias, roses, hortensias, lilas et jasmin dans le grand escalier : l’AROP, regroupant les mécènes du lieu, a sorti le grand jeu pour cette soirée de gala ouvrant les célébrations du Tricentenaire de l’Ecole de Danse, créée par un décret de Louis XIV, danseur averti comme l’on sait (souvenez-vous du film Le Roi Danse). Mais, peu encline sans doute aux fastes monarchiques, la Garde Républicaine a refusé de servir de haie d’honneur aux privilégiés qui avaient acquis un – cher – laissez-passer pour l’un des plus convoités rendez-vous de la saison. Le Tout-Paris était là, de Valérie Trierweiler à Alain Delon et Stéphane Bern.
Chacun s’est mis sur son trente-et-un, mais évolution des mœurs et crise obligent, le smoking n’est plus sur toutes les épaules et les dames n’ont pas voulu sacrifier leur confort aux paillettes des photographes nombreux, dont les clics ponctuaient la représentation. Dans la loge d’honneur aménagée pour les invités de marque, on pouvait apercevoir la robe vermillon d’Aurélie Filippetti, qui a pour cette fois laissé son sac au vestiaire ou dans sa voiture de fonction, aux côtés de Jean-Louis Beffa ou Xavier Darcos. Bernadette Chirac avait quant à elle préféré le premier rang du balcon, aux côtés de son amie Lily Safra, grande mécène et présidente du comité d’honneur de la soirée (un million d’euros, suite à la vente de ses bijoux chez Christie’s l’an passé).

Cocktail offert à tous

On pouvait cependant se consoler du relâchement des traditions et des conversations dans les loges, avec quelques flûtes de champagne au cocktail d’entracte – offert à tous les spectateurs, des plus généreux aux plus modestes – avec un programme typique de l’Ecole de Danse, et qui change agréablement des successions de morceaux de bravoure habituellement servis dans les galas de danse, à seule fin de mettre en valeur le diadème des étoiles. Sans se priver du plaisir de repérer les talents en herbe, on a pu admirer la cohérence et l’élégance des ensembles. Sur des extraits des Indes Galantes  de Rameau, Nicolas Paul et Béatrice Massin, qui a participé à la résurrection d’Atys, ont ainsi fait goûter au public l’innocent charme de la jeunesse magnifiquement galbée dans des justaucorps pourpres à l’ancienne. Claude Bessy-ancienne directrice emblématique de l’école de danse,  est ensuite venue saluer, en tailleur noir,  à la fin de sa Nuit de Walpurgis – à son image, vigoureuse et inflexible.
Autre institution de la maison, Pierre Lacotte a confié à Ludmila Pagliero et Mathieu Ganio une création, bien-nommée Célébration, sur une musique d’Auber à l’évidence plutôt anecdotique. Péchés de jeunesse, sur du Rossini, est un autre classique des spectacles de l’Ecole de danse, chorégraphié par Jean-Guillaume Bart, étoile désormais à la retraite. Puis, un petit intermède d’accordéon avec Aunis et trois danseurs (coryphées et sujets) de Jacques Granier, avant l’inusable Défilé, réglé par Serge Lifar et exceptionnellement placé en fin de soirée, que tous les balletomanes attendent, impatients d’applaudir leurs chouchous, sans se lasser de la perspective jusqu’au foyer de la danse. Impossible de partir sans un léger pincement au cœur en voyant Agnès Letestu, Isabelle Ciaravola et Nicolas Le Riche saluer pour l’une de leurs dernières fois, preuve que le passage de témoin ne se fait jamais sans une once de mélancolie…qui n’était pas au menu bien sûr du souper servi ensuite dans les foyers et avant-foyers de Garnier – pour 250 euros par personne. Comme toujours, la décoration florale servit à quelques uns de bouquet d’occasion à la sortie – pourquoi s’en priver puisque toutes ces belles fleurs se trouvent condamnées à la fin de la soirée ? Il n’y a pas de petites économies…

Par Gilles Charlassier

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Le théâtre contemporain n’est pas avare de surprise. Pour le meilleur ou pour le pire, il emprunte un chemin capricieux que les dramaturges balisent ça et là, de leur plume inattendue. À cet égard, Existence d’Edward Bond est exemplaire. Il s’agit moins d’une pièce de théâtre que d’une expérience humaine et artistique. Elle met le spectateur dans une situation inédite en le faisant assister de l’intérieur à un cambriolage échoué. X est le personnage qui pénètre brutalement dans un appartement en fracturant la porte. Cela se déroule dans une obscurité angoissante, dans un silence pesant que le souffle rapide de X et les bruits relatifs à l’effraction entrecoupent. On entend X procéder à une fouille inquisitrice quand un autre personnage intervient. C’est l’occupant de la chambre qui était resté là, à l’observer, plongé dans le noir. Une courte lutte se fait entendre. L’occupant est maîtrisé par le cambrioleur et ligoté à une chaise. C’est alors que s’ouvre un dialogue entre les deux hommes. Un dialogue de sourds, ou plutôt, un dialogue de muets…

L’impossibilité de dire, l’impossibilité de vivre

L’écriture d’Edward Bond est concise, ramassée, voire décousue. X – le cambrioleur, alimente son discours de manière sporadique dans un débit expéditif, de sorte que ses phrases s’arrêtent avant d’énoncer ce qu’elles ont à dire. C’est la parole dépouillée d’un homme démuni, à bout, à l’extrémité de sa vie. Face à lui, le cambriolé se fait spectateur de son propre cambriolage. Il écoute son agresseur désespéré et semble le comprendre sans prononcer un seul mot. Tout le poids du texte, lourd du sentiment d’impossibilité de vivre parmi les hommes, repose sur les épaules du jeune comédien Benjamin Jungers. Il incarne avec talent et sobriété cet être qui n’a pas sa place ici-bas et qui agit à l’instinct, presque sans raison. On ne sort pas indemne de cette expérience. L’éclairage « radical » choisi par le metteur en scène Christian Benedetti consiste en un rai de lumière que la silhouette des deux hommes traverse partiellement. Il instaure une atmosphère étrange qui efface presque la distance entre les acteurs et le public. C’est d’ailleurs dans le but d’établir ce cadre intime que fut créé le Studio-théâtre par la Comédie-Française dans la galerie du Louvre. Existence y trouve là une scène à sa mesure où résonnent les mots âpres d’une humanité déphasée. Un spectacle à aller voir les yeux fermés…

par Romain Breton

Existence d’Edward Bond, par la Comédie Française, au Studio-Théâtre jusqu’au 28 avril.

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À l’heure ou le mariage fait débat dans la rue, à la Cité de la Musique, on le célèbre ! Jusqu’au 18 août,  on y fête l’éternelle noce de la musique et du cinéma. Une union pérenne, qui depuis plus d’un siècle n’en finit pas de se renouveler et de prouver son potentiel artistique et émotionnel. L’exposition propose justement un parcours chronologique qui mêle l’évolution de cette alchimie au cours de l’histoire du cinéma et les différentes étapes de la création d’un film. La scénographie, signée Clémence Farell, plonge le spectateur dans l’univers technique du cinéma en mobilisant les matériaux qui évoquent le plateau de tournage : les projecteurs, les néons, les flight cases, les rails de travelling et le fauteuil du réalisateur où, pour une fois, il est permis de s’asseoir. Bourrée d’anecdotes et d’objets fétiches, cette exposition fait aussi la part belle à l’interactivité. Vous ne resterez pas les mains dans les poches car de nombreux écrans numériques sont là pour vous faire expérimenter l’importance de la bande sonore d’un film. Vous pourrez par exemple percevoir The Artist, le film aux multiples récompenses de Michel Hazanavicius avec Jean Dujardin, avec une nouvelle oreille en substituant la musique d’une des scènes dramatiques par celle que le compositeur avait écrite sur mesure, mais que le réalisateur n’a pas gardée, préférant finalement la première, laquelle ne devait pourtant servir qu’à donner une idée de la couleur musicale de la scène. Une bonne manière  d’observer la fabrication d’un film de l’intérieur en appréciant les choix esthétiques d’un réalisateur.

Le son au bout des doigts

Cette rétrospective a su se rendre attractive en privilégiant l’innovation et l’ingéniosité pour répondre à la soif créative d’un public de cinéphiles mélomanes. En témoigne le « clou de l’exposition » selon l’expression du commissaire N. T. Binh : une pièce isolée au fond de la galerie abrite un mini-studio de mixage où le spectateur peut à loisir modifier la bande son d’une scène dans trois films récents. Gainsbourg-Vie Héroïque ou Mesrine sont projetés en face de vous  avec un écran tactile où sont affichées l’images et les différentes pistes sonores. Le logiciel permet alors d’être un véritable ingénieur du son,  gardant en mémoire vos modifications pour revoir la scène avec votre propre bande sonore. Une activité ludique et instructive qui met un aspect de la création d’une œuvre cinématographique à la portée du doigt de tout un chacun. Au sous-sol, on diffuse des extraits de chefs-d’œuvre du septième art où la musique joue le premier rôle. On peut aussi choisir d’écouter un thème inoubliable comme celui de Love Story en pressant un bouton qui éclaire alors la pochette du vinyle original. Un objet incongru se cache également à ce niveau. On ne révélera pas sa nature, mais on peut toujours dire qu’il s’agit de l’élément du décor d’un film dont la sortie est prévue à la fin de ce mois… à vous d’aller le découvrir !

Par Romain Breton

Musique & Cinéma, jusqu’au 18 août 2013 à la Cité de la Musique

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Initié il y a dix ans, Misteria Paschalia s’inscrit désormais dans le sillage des grands festivals pascals en Europe en devenant l’un des principaux rendez-vous pour les amateurs de musique baroque. Les artistes, en particulier français, ne s’y sont pas trompés et lui ont voué une fidélité que l’on peut apprécier pour son dixième anniversaire – au visuel nettement plus inspirée que celle, controversée, de 2010 – réunissant entre autres Mark Minkowski et ses Musiciens du Louvre, Christophe Rousset et les Talents Lyriques, ou encore Jordi Savall, qui avec Tous les Matins du monde redonna vie à la viole de gambe et la musique de Marin Marais. A l’image de « Mare nostrum », le célèbre musicien espagnol reprend le concept d’un concert thématique. A Cracovie où plane l’ombre de Copernic – l’astronome y a étudié quatre ans – c’est une compilation de compositions de l’époque qui forme un contrepoint tantôt aux évènements politiques, tantôt à la vie de l’humaniste. Jordi Savall a en effet imaginé une narration musicale suivant un fil chronologique. On y entend les sons de l’Orient, telles la Marche Turque « Turna » ou cette autre page anonyme ottomane,  Makam « Muhayer persev », aux savoureuses sonorités du kaval, de l’oud ou du morisca, embarqués pour un voyage dans l’espace et le temps ponctué de projections lumineuses sur le chœur de l’église Sainte-Catherine.

Bien que transis par le froid-l’église était comme il se doit à peine chauffée et il faisait -6° dehors –  l’on ne peut rester insensible à l’intériorité croissante au fil de la soirée, jusqu’à l’apparition du système solaire de Copernic auréolé d’une lumière bleue nimbant le choeur alors que résonne le dépouillé Proch dolor de Josquin Desprez. Ne reste enfin que les étoiles pour répondre au dernier soupir de Copernic… Une traversée des harmonies célestes qui juxtapose des pages extraordinaires à d’autres plus banales, d’autant qu’elle est servie par des ensembles de premier rang, Hesperion XXI et La Capella Reial de Catalunya. L’on peut seulement regretter qu’aucune information détaillée sur le programme du concert ne soit distribuée systématiquement à l’entrée, tant celui-ci, métaphore baudelairienne avant l’heure, fait se répondre les mots, les sons et les couleurs.

Raretés italiennes

Si l’Orfeo de Monteverdi présenté par La Venexiana placée sous la direction de Claudio Cavina laisse un souvenir mitigé, la soirée « Mater Dolorosa » proposée par Christophe Rousset et ses talents lyriques, présente un intérêt tout autre. Plus connu pour son Stabat Mater, Pergolèse a aussi légué un Salve Regina, où l’on retrouve la même facilité mélodique, alors que la construction dramatique paraît plus lâche. Autre compositeur de l’aire napolitaine du settecento, Leonardo Leo démontre dans le bref Judica me, Deus une inspiration intéressant quoique inégale, à l’instar d’un octuor vocal pourtant composé des meilleurs solistes, tels Emiliano Gonzalez Toro ou Ann Hallenberg. On retrouve d’ailleurs cette dernière dans une cantate très théâtrale de Giovanni Battista Ferrandini, Il pianto di Maria-aidé peut-être par la plume de Haendel… Son instinct dramatique fait merveille dans les récitatifs, même s’il peut sembler trop lyrique et extraverti pour qui chercherait une intériorité religieuse chez la mezzo suédoise.

Enfin, Christophe Rousset retrouve Tommaso Traetta, compositeur du XVIII ème siècle.  Il nous fait partager ce soir sa découverte à Munich d’un inédit Stabat Mater au singulier raffinement. Cette excellence va jusqu’à exercer une émulation sur les interprètes qui donnent alors le meilleur d’eux-mêmes. Marie Espada que l’on entendait trop timidement dans le Pergolèse sonne ici comme transfigurée avec cette impression que l’auditorium de la Philharmonie s’affranchit dans ce final de ses dernières résistances acoustiques.

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